Yo no soy Paul Avery

2011-04-16T19:46:00.001+02:00

eee

Perfecto equilibrio entre Gainsbourg y Gainsbarre

2010-07-18T12:56:00.001+02:00

- Gainsbourg (Vida de héroe) - (Joann Sfar, 2010)

Si tuviera que rellenar uno de esos típicos test que hacen en revistas o periodicos donde te preguntan por tus gustos pondría a Serge Gainsbourg como mi artista favorito, simplemente porque considero que es tan importante para la historia de la música popular como lo puedan ser los Beatles. Por eso era facil salir contento de esta Gainsbourg (Vida de héroe). Y eso que, curiosamente, tenía todos los elementos para hacer una película...mala. A la prodigiosa y talentosa productividad de Gainsbourg se unía una vida llena de polémicas y escándalos que le llevó a relacionarse con muchas celebridades francesas de la época. Con lo cual Joann Sfar podía irse por el camino fácil del biopic y que Gainsbourg (Vida de héroe) se convirtiera en un desfile de estrellas actuales interpretando a estrellas de toda la vida mientras la música de Gainsbourg sonaba de fondo. Por suerte Sfar es alguien inteligente y sabe que todas las biografías son mentiras con lo cual, ¿por qué no contar un hermoso e irreal cuento francés?

Es verdad que Gainsbourg (Vida de héroe) tiene las aristas de todo biopic. La película a veces puede parecer que tiene episodios demasiado sueltos más que un conjunto bien armado y que ,al final, retrata la decadencia de Gainsbourg sin demasiada originalidad. Pero si olvidamos los peajes que tiene que pagar toda persona que se dispone a rodar un biopic nos encontramos con un film disfrutable y con encanto.. La idea de dividir a Gainsbourg en dos, uno más humano con la recreación magnifica Eric Elmosnino (su parecido con el Gainsbourg real en la última parte del film da miedo) y otro diabólico con la caracterización excelente que hacen los chicos de la DDT y Doug Jones, es atractiva y acertada. Gracias a Gainsbourg (Vida de héroe) podemos entender la compleja vida y las acciones de un genio tan (aparentemente) feo como talentoso y seductor. Y seguramente sin quererlo Sfar realiza un perfecto retrato mucho más profundo que otros biopics más acartonados ya que gracias a esta dualidad conocemos a un Gainsbourg dubitativo y acompleja alejado de su tipica imagen de triunfador total. Porque Serge Gainsbourg , un hombre del que nunca se supo donde se quedaba la caricatura y donde empezaba la persona, aquí se convierte en alguien completamente real.

La película funciona como un perfecto reflejo de la cultura y la música de la época. Ya sólo como musical se disfruta. Poder escuchar Le poinçonneur des Lilas o La javanaise (ese baile entre Eric Elmosnino y Anna Mouglalis) de manera tan original es un goce para los que amamos la música de Gainsbourg. Y se disfruta tanto como las apariciones de Boris Vian, France Gall, Brigitte Bardot... ninguna de manera caprichosa y artificial contando con un excelentes trabajo de casting. Quizá estas virtudes sean el único inconveniente para algunos espectadores ya que los no amantes de la música de Gainsbourg o de la cultura en francesa, en general, puedas quedarse fuera del espectáculo que propone Joann Sfar. Y obviando que al final opta por caminos más convencionales (afortunadamente Sfar tiene el buen gusto de no sacar su encuentro con Wihtney Houston) y se deja ciertas cosas en el camino (la grabación del mítico disco Histoire de Melody Nelson) Gainsbourg (Vida de héroe) es una magnifica película. Un cuento o un cómic que aspira a tomar algo de la imaginación y talento de Serge Gainsbourg. Y, bastantes veces, lo consigue.

Lo mejor: la recreación de un personaje tan complejo como Serge Gainsbourg

Lo peor: no amantes de la música de Gainsbourg o de la cultura francesa pueden quedarse fuera

Basura dorada

2010-07-11T19:42:00.002+02:00

- The blind side (Un sueño posible) - (John Lee Hancock, 2009)

The blind side (Un sueño posible) es una película que ha escapado de su destino. Lo más lógico es que este film hubiera sido emitido en una sobremesa de Antena 3, que hubiera contado como protagonista a Melissa Gilbert y que hubiera pasado sin hacer demasiado daño a nadie. Pero The blind side (Un sueño posible) ha sido una niña mala y ambiciosa. Ha querido más de lo que correspondía aunque con eso tuviera que hacer un daño irreparable a quienes han tenido la desgracia de verla. Gracias a sus ambiciones doradas (nominada al Oscar a la mejor película y obteniendo el premio a la mejor actriz para Sandra Bullock) The blind side (Un sueño posible) ha logrado ser estrenada como una película normal y corriente escapando de destino telefilmero. Todo un triunfo para una película que merecía el mayor de los castigos.

The blind side (Un sueño posible) era puro material de derribo que echaba para atrás. Historia de superación racial con todos los tópicos estadounidenses que puedan caber en una película (la familia y Dios como único refugio de salvación, la clase alta bajando al subsuelo de las clases más desfavorecidas...) que simplemente necesitaba algo de dignidad para hacer un producto, por lo menos, tragable. Pero no, The blind side (Un sueño posible) quería víctimas en su lucha. Por eso da la impresión que todos luchan por hacer que la película sea una experiencia que nadie olvidará (para mal claro). El director, John Lee Hancock, rueda de manera vulgar y cutre (esos flashbacks) para que no olvidemos que la esencia del film es de un telefilm. Quizá sea lo único honesto que tenga la película. Para qué rodar bien algo de tan poca calidad. El espectador se queda con una película larguísima (¡128 minutos!) con unos peligrosísimos toques racistas y clasistas donde queda claro que la salvación pasa por aceptar a Dios y el nucleo familiar. Y para salvarte también tienes que ir a una buena universidad, ser un as en los deportes y olvidar tus raíces. Porque The blind side (Un sueño posible) viene a decir que un negro sólo puede ser delincuente o drogadicto...a no ser que una familia samaritana blanca (por supuesto) le pueda salvar. Y el problema no es sólo el mensaje sino lo mal rodado, interpretado y montado que está todo el asunto.

Se supone que si se escribe de The blind side (Un sueño posible) hay que hacerlo de Sandra Bullock y su molesto Oscar. No sé si está bien, regular o mal. Su personaje, supuestamente positivo e ingenioso, se vuelve en irritante, metomentodo y todo un fastidio. Seguramente la culpa la tenga un guión y una historia imposibles ya que Bullock le pone cierto carisma a su trabajo. Pero no basta. Ni basta que aparezca por ahí la siempre estupenda Kathy Bates. El mal ya está hecho. The blind side (Un sueño posible) ha colado como película. Un hecho tan asombroso como su baja calidad.

Lo mejor: la profesionalidad de Kathy Bates

Lo peor: que lo que es un telefilm barato estadounidense haya llegado a las carteleras de medio mundo

. ¿Quién teme a la Sandra Bullock feroz? (Sergi Sánchez, Canal TCM)

"Indignante película que no debería haber salido de los estantes del videoclub y que llega a nuestras pantallas aprovechando el tirón de un Oscar a todas luces absurdo"

. Buenas personas y buenas familias (Julio R. Chico, La mirada de Ulises)

"Estamos ante una película de tantas… pero que no merece tanto desprecio, con personajes que son buenas personas sin necesidad de bajar a los infiernos para después redimirse, y que –de vez en cuando– no está mal que el cine nos recuerde que tales existen en la realidad"

. Pereza (Desirée de Fez, Cine 365)

"Sin parecer más que un telefilme con medios, está filmada con oficio, es menos sensiblera de lo que cabía esperar (no hay ni crestas dramáticas apabullantes ni alardes actorales incómodos) y la interpretación de Bullock no es de Oscar pero tampoco es de juzgado de guardia"

Interpretaciones de cine: Richard Widmark, Jean Peters y Thelma Ritter (Manos peligrosas). Gente imperfecta en una película perfecta

2010-06-28T19:11:00.000+02:00

En los títulos de crédito de la rotunda obra maestra de Samuel Fuller, Manos peligrosas, podemos observar los tres nombres que inundaran la pantalla durante los apenas ochenta minutos que dura el film. Richard Widmark, Jean Peters y Thelma Ritter. Si Manos peligrosas ha pasado a la historia como una joya del cine negro por la dirección de Fuller su porcentaje de recompensa deberían tenerla estos tres actores que transmiten perfectamente los claroscuros de unos personajes marcados por los bajos fondos.

Un carterista que se juega ir a la cárcel para toda la vida (Widmark), una mujer sin oficio ni beneficio que vive de favores a los demás (Peters) y una confidente que se gana la vida vendiendo información para poder ganar su funeral (Ritter) son los protagonistas de la historia. Y no hay más. Porque tanto los policías como los comunistas son meros comparsas e instrumentos necesarios para hacer avanzar la historia. Los “héroes” de Manos peligrosas son gente que, por circunstancias, ha tenido que vivir en el subsuelo de la suciedad, sobreviviendo en un entorno hostil mientras intentan ejercer el menor daño posible. Por eso nadie puede exigirles que hagan “esfuerzos patrióticos” (por el film que es el macguffin de la película) ya que nadie nunca hizo nada por ellos. Widmark, Peters yRitter ponen corazón, cabeza y rostro humanizando a personajes que son demonizados por una clase alta que sólo acepta los delitos que ellos cometen. Delitos de traje y corbata, a veces, los más repugnantes de todos. Estos personajes te llegan a hacer entender que quizá es mejor confiar en alquien que te puede robar la cartera que en otro que te robará todo el dinero desde la mesa de un despacho.

Widmark nació con el rostro de quien ha vivido mucho en poco tiempo. Por eso a su carterista Skip McCoy sólo se le necesita mirarle los ojos para comprender porque se dedica a robar carteras siempre dentro de su propio código de honor (“Nunca he llevado un arma”, dice). Peters parece que tiene el personaje más complicada. Una mujer poderosamente atractiva que simplemente “hace lo que le dicen” hasta que decide hacer lo que a ella le parece correcto con fatales consecuencias. Igual que Ritter, actriz que se dedicó a robar escenas a las estrellas principales allá donde fuera (La ventana indiscreta, Confidencias a medianoche...) . Vende información de sus “colegas” delincuentes a la policía o (a quien pueda pagar por ella) sabiendo que ellos se lo perdonaran (“sólo se enfadaría si le vendiera barato”, dice Ritter) Su muerte buscando el descanso definitivo pasará a la historia del cine. Los tres son personajes con defectos que han sobrevivido como han podido pero con una característica: el honor. Cuando llega el momento deciden imponer un código personal e intransferible para protegerse entre ellos. No por hacer el bien sino porque saben que entre personajes desclasados sólo cabe unirse ya que nadie va a ayudarles. El honor que no tiene que ver ni con las banderas ni con los himnos sino con las personas que demuestran su verdadera valía en los momentos más duros. Y para mostrar a estos personajes que mezclan el delito, la dureza,, la valentía y, lo repito, el honor, Sam Fuller no pudo encontrar a tres actores mejores que Richard Widmark, Jean Peters y Thelma Ritter. La victoria de los desclasados.

Belleza natural

2010-06-19T13:17:00.001+02:00

- Air Doll - (Hirokazu Koreeda, 2009)

Nadie sabe, Still walking y ahora Air Doll. A lo tonto y sin que nadie se de cuenta Hirokazu Koreeda se está convirtiendo en un todo un referente a nivel mundial. Su nuevo proyecto venía con la dificultad de tener detrás el peso de una película que se ganó el respeto de todo el mundo como Still Walking. No sé si Air Doll recibirá todos los aplausos de esa obra suya pero debería. Porque estamos ante una de las películas más hermosas de esta temporada.

Una muñeca hinchable toma vida (o como dice ella, “encuentra un corazón”) y se dedica a aprender que eso de estar viva. Lo que en otro se hubiera convertido en una comedia barata o en un drama sinsentido, Koreeda lo transforma en poesía andante y viviente. Pero poesía de la buena, de la verdad. Con un trasfondo duro y real (la película tiene un final tan hermoso como poco complaciente) a pesar de tratarse de una película surrealista. Los personajes con los que se encuentra Nozomia (sobresaliente Doona Bae) se encuentran tan solos y perdidos como lo está ella. Buscando respuestas sobre la vida sólo puede encontrar más interrogantes ya que tener un corazón no significa encontrar respuestas. A través de unas imágenes pausadas, valientes y hermosas, Koreeda, retrata un Japón contemporáneo pero como si estuviera sacado de otro planeta. Eso refuerza la idea de estar viviendo un especie de fabula moderna mientras visionamos Air Doll. La película de Koreeda nos exige abrir bien los ojos, los sentidos y el corazón para poder viajar junto con esa muñeca hinchable (la Air Doll del título) por la búsqueda del corazón humano. Que, como Koreeda, muchos tienen pero no saben utilizarlo del todo. Aunque Air Doll esté protagonizada por una muñeca hinchable tiene más humanidad que muchos películas que podemos ver en la cartelera. Gracias a un ser con una mirada especial y de sensibilidad extrema como Hirokazu Koreeda.

Lo mejor: la serena belleza de sus imágenes

Lo peor: quizá le sobra algún minuto

. Llenándose de vida (Carles Rull, Cinempatía)

"Y es realmente estupenda la interpretación de su protagonista, la coreana Doona Bae, aplicando a sus movimientos una coordinación mecánica, torpe, artificial. Destilando inocencia y a la vez exhibiendo sin pudor su cándida sensualidad."

. Látex existencialista (Óscar Martínez, E . Cartelera)

"Air Doll, por ello, sobretodo en su primera mitad, posee la fuerza habitual de los anteriores trabajos de su director, atrapando a un espectador que queda literalmente absorbido por la irreprochable conjunción de elementos narrativos, visuales y sonoros"

. Respiración y sentimiento (Jordi Costa, El País)

"El tono conquistado por el japonés es la virtud más aparente de un trabajo que atesora no pocos logros y que muchos espectadores, incluso algunos fieles seguidores del cineasta, han recibido con el inmerecido arqueo de ceja de quien no perdona este aparente desvío excéntrico del territorio clásico, vertiente Ozu, de una obra maestra tan rotunda como fue Still Walking"

Series de cine: Perdidos. El último (y brillante) truco de feria

2010-06-13T00:17:00.001+02:00

Mis verdades sobre Perdidos. Desde que hace años la encontré de casualidad un domingo por la tarde en TVE no me he perdido ni un capítulo. Y mi agradecimiento será eterno porque a pesar de los bandazos que daba jamás me he aburrido viéndola. Sabía que esos cuarenta y algo minutos que duraba cada capítulo me lo iba a pasar bien. Y jamás me han interesado ni osos polares, ni números extraños, ni teorías surrealistas... Y, precisamente por eso, pienso que ha disfrutado Perdidos. Nos encontramos con un prodigio de cómo utilizar la técnica a favor de una narración. Y no tiene nada que ver su holgado presupuesto sino cómo utilizarlo a favor de la serie. Su ambientación, fotografía, montaje, la asombrosa música de Michael Giacchino... todo está predestinado para montar un inteligente espectáculo con un objetivo muy difícil. Entretener. Este año una serie intentó hacer algo parecido. Se llamaba FlashForward y salió una auténtica cutrez. Ese es el gran triunfo de Perdidos y aunque J.J.Abrams dejará la serie pronto su sello permaneció en todas las temporadas (sólo hay que echarle un vistazo a Star Trek y luego a la serie para ver las coincidencias)

Pero apareció un bendito problema para la serie. De repente legiones de nuevos fans se fueron enganchando a ella. ¡Y se la tomaron en serio! En vez de disfrutar de las piruetas visuales o dejarse manipular por un argumento delirante, nuevos fans creyeron que resolviendo las preguntas (obviamente sin respuesta) su vida cobraría un nuevo sentido, que les diría como pagar la hipoteca o les revelaría la fórmula secreta de la Coca Cola (portada en Rockdelux incluida) . Era obvio que esas preguntas y dudas eran cebos para engañar y manipular al personal. Y hubo gente que se los tomó como algo personal en vez de, simplemente, disfrutar. Porque ese estupendo final (quitándole el tono cristiano) es completamente coherente con los que simplemente vimos y una aventura de personajes en Perdidos y todo lo que se ha montado con él (retransmisiones a la seis de la mañana, subtítulos que no iban...) me ha abrumado y, debo reconocer, que me ha resultado incomprensible (respetando mucho a la gente que lo a vivido así, entre los que hay muchos amigos)

Losties que estéis leyendo esto taparos los ojos por lo que vais a leer. Perdidos no es un clásico. Un clásico debe ir un poco más allá y sentirte un afortunado al saber que lo que ves es único y te va a cambiar la vida aunque sea un poquito. Perdidos se ha dedicado a otra cosa que, a veces, es más difícil. En montar un buen espectáculo donde el espectador se sumergiera en una historia incomprensible pero con una gran capacidad de fascinación. Como he dicho los méritos son incontables, la creación de dos fascinantes y grandes personajes (John Locke y Benjamin Linus) por encima de los demás, su perfecto y cuidado trato de todo lo que se hacía sin bajar nunca la guardia (en cuanto a gran show me refiero) y su gran capacidad de fidelización y empatía con el seguidor (algo que se echa en falta en otras series). Son los puntos positivos de un sano espectáculo, manipulador, mentiroso pero siempre divertido y entretenido. ¿Qué ha sido Perdidos? Una serie de aventuras donde un avión tiene un accidente y los pasajeros supervivientes acaban en una isla donde suceden cosas extrañas. Ni más...ni menos

PD. De Perdidos se recordarán muchas cosas pero una de ellas será el final de su (excelente) primera temporada. Uno de los mejores de la historia. Ese plano final con Jack Shepard (Matthew Fox) y John Locke (Terry O’Quinn) será recordado para siempre.

Rabia poco contenida

2010-06-05T00:32:00.000+02:00

- Rabia - (Sebastián Cordero, 2009)

Rabia cuenta con muchísimos puntos de interés. El argumento que, aunque no exactamente original, sí que es realmente atractivo, un reparto repleto de buenos o excelentes actores y un realizador al que se le nota que sabe lo que hace. O mejor dicho que intuimos lo que quiere hacer. Rabia es una película que pretende ser angustiante y claustrofóbica y, en parte, Cordero lo logra. Porque Rabia es una película realmente incómoda pero quizá esa incomodidad no era lo que buscaba Sebastián Cordero. El principal defecto de la película es que está escrita con demasiados subrayados y un exceso de trazo grueso. El guión no es ágil y las escenas discurren de forma pesada. Cordero confunde, a veces, ser claustrofóbico y provocar tensión en la gente que mira la película con provocar incomodidad. Un estado que hace que, en alguna ocasión del metraje, pierdas interés en Rabia.

El guión es poco sutil y cuando pretende serlo es incompleto. Ahí el excelente reparto se lleva gran parte del mérito. Concha Velasco está brillante y por encima de un personaje, a veces, un poco acartonado. Martina García, Gustavo Sánchez Parra y Àlex Brendhemül cumplen con talento la labor de defensa de los personajes. Con otros personajes la película hubiera estado en peligro. Eso sí el talento de Cordero está fuera de duda. En muchas ocasiones su forma de tratar el cautiverio del protagonista en contraposición de la vida en la casa es brillante. Momentos como la vida del personaje de Sánchez Parra para sobrevivir a la fumigación está tratado con muco talento. Otra cosa son los subrayados antes mencionados. La metáfora de la situación del inmigrante en España, los superficiales intentos de narrar la vida de esa familia de clase alta y sus traumas y algún personaje prescindible (¿Fernando Tielv e era necesario?) Muchos subrayados en una película que sólo requería un ejercicio de estilo. Realizado por un director al que se le nota talento como Sebastián Cordero.

Lo mejor: Concha Velasco y algunos momentos con una atmósfera opresiva bien conseguida

Lo peor: algunos momentos de trazo grueso

. El fantasma del caserón (Julio R. Chico, La mirada de Úlises)

"Aunque la trama romántica es asfixiada por el trabajo de ambientación, funciona como drama de un amor entre inmigrantes que vienen a ser polos opuestos ante la discriminación, él agresivo y lleno de rabia, ella delicada y paciente"

. Historia de fantasmas de carne y hueso (Julio Vallejo, Pasión por el cine)

"Sebastián Cordero consigue en todo momento ganarse la atención del espectador, gracias a la captación del ambiente enrarecido y una excelente dirección de actores"

. Rabia, el decorat abans que els personatges (Quim Casas, El Periódico)

"És un film de plantejament interessant que s’estira més del que convindria anul·lant, precisament, allò que més prometia, un clima asfixiant conformat per una sèrie de personatges que es mouen en els diferents nivells de l’enorme casa, una construcció gairebé anacrònica en el paisatge urbà dels nostres dies"

Agradecimientos y despedidas de la temporada 2009 / 10

2010-05-29T00:23:00.001+02:00

Perdidos me gusta. Me parece técnicamente un prodigio además la he visto desde sus comienzos en TVE, que no me he perdido ni un capítulo pero sin compartir la pasión ultra que circula por radios, redes y otros círculos. Por una cuestión que me ha puesto nervioso siempre. Se lleva hablando del final de Perdidos desde la tercera temporada dándole poca (o ninguna) importancia a lo que pasaba por la mitad del trayecto. Y esto me recuerda a que lo importante es el camino no la llegada. Pues el final de la serie norteamericana me evoca al final de Vivir Rodando. El programa ha ido caminando con los pasos de quien sabe que su vida puede estar llegando a su fin (aunque parece que no será asi) . Una tercera temporada llena de clásicos y novedades que con el tiempo serán clásicos.

Begoña Ivars nos llevó a un mundo lleno de intrigas y sospechas. Al mundo de Alfred Hitchcock. Después de ese programa podremos desentrañar toda la complejidad de la obra del maestro británico.

Daniel Diaz y Elizabeth Aribau son unos suicidas...unos suicidas maravillosos. A estas alturas de la película quisieron crear una revista / agenda (en digital y en papel) sobre la vida cultural en Alicante. La aventura se llama La Kuriosa y la cosa pinta muy bien. Un trabajo sólo para románticos que saben saltar sin red. Para los mejores.

No puedo negar que Jordi Costa es una debilidad. Me encantaba cuando empezaba a leerle en fotogramas y veía como le ponía la máxima nota a películas denostadas por la critica. Y luego descubrí la inteligencia, humor y el doble sentido que tenían sus textos. Por eso tenerle hablando sobre su cómic (realizado junto a Dario Adanti) Mis problemas con Amenábar con su habitual inteligencia fue algo realmente especial.

Eduard Aguilar utiliza la inteligencia y talento en su programa Tinta Sonora. Vivir Rodando la “robó” para hablar de Joseph L. Mankiewicz. Nadie mejor que él para hablar de uno de los mayores genios literarios / cinematográficos de la historia del cine. Pero lo mejor de Eduard es que bajo su paciencia de gran lector intelectual se esconde una de las personas más divertidas y vitalistas que he conocido en mi vida. Todo el mundo necesitaría un Eduard Aguilar en su vida para alejar nubarrones futuros. Una de las grandes revelaciones.

A José Carlos Lledó y Patricio Vidal también se les puede etiquetar de “gran revelación” Con ellos he compartido entre comida y cervezas conversaciones (fuera de micro) sobre temas como Pasolini, The Velvet Underground o Tarantino. Lógico ficharles para Vivir Rodando es más en un tema tan apasionante (y propio de ellos) como La Trilogía del Dólar. Análisis pasional sobre un oeste distinto. Tan distinto y necesario como son José Carlos y Patricio.

Miguel Carvajal debe andar ahora por las aceras neoyorquinas. Podemos pensar que es algo tan norteamericano como los son las películas de John Ford. ¿O no? En realidad son universales. Algo que puedes comprobar si escuchas el programa donde Miguel habla sobre el genial director. Miguel Carvajal nos llevo a imágenes míticas y horizontes lejanos a unos films que nos pertenecen a todos y no sólo a amantes del oeste más clásico. Lo hizo con una mezcla de pasión y rigor periodístico. Como se debería informar en estos tiempos.

Nacho Gonzalo y Antonio Sempere son mis “sospechosos habituales”. Saben que cuando llegue una fecha iré a molestarles para que colaboren en Vivir Rodando. Uno con los Oscars y otro con lo mejor del año. Me aprovechó de su labia ordenada y brillante y su capacidad para el análisis. Y no fallan nunca. Unos clásicos entre los clásicos. Clásicos imprescindibles, claro.

Fernando Miró es un tipo extremo y pasional. Como son los amantes de la creación. Defiende sus posturas como si le fuera la vida con ello. Porque nuestro estimado Miró es como el cine. Lleva dentro toda la pasión que puede tener la vida y el arte. En Vivir Rodando pudo hablar de dos de sus pasiones, el cómic y el cine y como confluyen entre si. Entendimos que son dos artes necesarios para cualquier amante del arte. Y si llegamos a poner una canción de The Velvet Underground en el programa su pasional locura hubiera sido mítica. Otro punto a favor suyo fue que trajo de la mano a un inteligente cubano llamado Pavel Quincoces para hablar de cine negro.

Ángeles Gómez analizó un no-clásico como La iniciación. Con humor, locura y surrealismo. Obvio. Si traes a alguien tan especial a tu programa sólo puedes tener un programa especial. Ella es el fin de la obviedad. Diversión, ternura, locura, radio... Si no existiera sería imprescindible inventarla para que este mundo tuviera algo de sentido.

Como siempre Vivir Rodando ha tenido la compañía de auténticos genios de los cuales aprender. Mención especial merece Y si no, nos enfadamos que finaliza / muere este año. Un abrazo para Ángeles Gómez, Roberto Pascual, Gema Osuna, Mónica García-Abad, Estefanía Carrasco, Lourdes Rocamora, Clotilde Ferrándiz, Lucia Gregorio y Aarón Navarro. Son los mejores y no es una frase hecha. Y si no, nos enfadamos no tiene cabida en ninguna radio. Lo cual me hace pensar que mal está la radio. Y luego está la llamada clase alta: José Carlos Lledó y Patricio Vidal (El bueno, el feo y el malo), Cristóbal Osete (Austramática), Ángel Blasco y Luis Fernández Bonilla (El quinto cuarto), Eduard Aguilar (Tinta Sonora), Antonio Chaves, Fran Martinez, Pablo Alcolea y Diana Navarro (UMH Inside), C.J. Navas, Jorge Navas y Don Carlos Navas (Fuera de Series), Fernando Miró y Rafa Simons (QPH?), Silvia Muñoz, Chuse Congost y Marco Martínez (Premiere), Susi Niñoles, Pablo Peris y Cecilia Scianca (Ilicitanos por el mundo), Virginia Mendoza y Silvia López (Blacksheep), Pablo Poveda (Rompepistas), Ángeles Gómez y Sonia Montins (El turismo es un gran invento), Ximo Matarredona (Mestizaje UMH), Maria Amparo Calabuig y Ferran Perelló (Derribando muros), Gregorio Fernández (Clave de Do en Tercera), Manuel Sánchez (Tú, yo y los microbios)... Un lujo.

Pero el verdadero lujo estaba en el personal de la radio. Encabezado por mis míticos compañeros / amigos Rosana Bas, Unai Álvarez (mi némesis favorito) y Antonio Chaves. Con mención especial para mi querida Marta Saiz que buscará otras aventuras en tierras andaluzas; una persona con una sonrisa constante en su rostro que te hacía la vida un poco mejor. Y por último para la persona que es la Radio UMH. Dicen que nadie es imprescindible. Mentira. Sin Eva Corbalán no hay Radio UMH. Y debería ser como los grandes futbolistas y tener miles de millones en una necesaria cláusula de rescisión. Una gigante.

Pedir perdón a los que no pudieron (por falta de tiempo que no de ganas) entrar esta temporada en Vivir Rodando. Habrá más oportunidades. Seguimos hablando, pensando y viviendo el cine en el blog. Porque la tercera temporada radiofónica de Vivir Rodando ha llegado a su fin. Chan-Chan.

Una perfecta y hermosa anomalía

2010-05-22T17:44:00.000+02:00

- Two lovers - (James Gray, 2008)

Disfruté de Two lovers tras la visión unas horas antes de un capítulo de la serie Mad Men. No ha podida haber una mejor y más feliz coincidencia. Ni la película de James Gray ni la serie creada por Matthew Weiner aspiran a ser las obras más originales del mundo. Y ellas dos son unas auténticas obras maestras cada uno en su genero y especie. Porque son dos obras extrañas, sensibles y especiales que para ser degustadas necesitan que el espectador esté en un estado reposado y que sepa mirar. Mucho y bien. Por esas razones Two lovers ha tardado dos años en ser estrenada. Todo el mundo sabe que los gerifantes y mandamases (sea de la empresa que sea) destacan por su falta de sensibilidad, tacto y ceguera. Porque para captar la tristeza bella, inmensa y eterna, que tiene Two lovers se necesita quitarse las careta antes de entrar al cine. Ir a corazón abierto.

Un hombre (el mejor Joaquin Phoenix de su carrera) tiene que optar entre la coherencia y la razón (gran descubrimiento de Vinessa Shaw) y la obsesión y la pasión (excelente también Gwyneth Paltrow). Hasta aquí nada nuevo. Lo grandioso de Two lovers es como James Gray narra toda esta historia. Su principal objetivo es que empatizar con un personaje torturado y destrozado por dentro como es Leonard a pesar de sus acciones que, a veces, pueden ser contrarias con lo que haríamos nosotros. Pero Two lovers no va de sentimientos forzados, James Gray rueda la sensibilidad en su grado máximo. En resumen, Gray se acerca al amor puro como pocos creadores lo han hecho. El prodigioso estilo visual que James Gray utilizaba antes para rodar la violencia aquí lo emplea para definir el amor que es una cosa que no se sabe muy bien que es. Y todo sin subrayados ni emociones artificiales de más. La locura emocional de Leonard es algo con lo que cualquier persona nos podemos identificar.

Para hablar de la película Two lovers necesitaríamos crear otro blog aparte. Esas planos sinuosos y elegantes, esos primeros planos que se hacen cuando hay que hacerlos (algo que pocos saben hacer) y algunos momentos para nuestra memoria colectiva (los guantes en la playa, la despedida de Leonard y su madre...) ¿Two lovers es gran película? Decir que sí es muy simplista. La película de James Gray es otra cosa, juega en otra liga. Simplemente, Two lovers no es de este mundo.

Lo mejor: la mezcla de belleza y tristeza que inunda toda la película. Además de un soberbio Joaquin Phoenix

Lo peor: que una obra maestra tarde en estrenarse dos años significa que el mundo no va bien

. Two lovers, esto es la melancolía (Sergi Sánchez, Canal TCM)

"Es muy hermosa la manera en que Gray retrata el universo familiar del protagonista, tan acogedor como peligroso, hermético en sus códigos de protección y compromiso"

. El gran James Gray (Javier Ocaña, El País)

"Una visión del amor tan poco convencional que abre la posibilidad de que el conformismo del segundo plato no sea en realidad una visión fatalista de la existencia, sino una muestra de que se puede amar a dos personas a un tiempo"

. Vértigos (y desamores) persecutorios (José David Cáceres Tapia, Miradas de cine)

"Superados los miedos con esta premisa argumental (cada cual los suyos) y las dudas respecto al abandono del thriller como base genérica, Two Lovers se erige como una vuelta de tuerca (o puede que dos) a los temas y figuras de Gray, resuelto con la riqueza expositiva conocida y una gama de matices amplificada"

Finales de cine: Los pájaros. Apocalypse now

2010-05-15T13:24:00.001+02:00

El ruido es una de las cosas que más tensión produce en Los pájaros de Alfred Hitchcock. Los ataques de estos animales están perfectamente orquestados y resultan, a día de hoy, de una precisión técnica envidiable. Pero lo que da miedo es cuando los animales no están y sólo se les oye. En la parte final de Los pájaros hay un ataque a la casa donde se resguardan Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy y Veronica Cartwright. Prácticamente no se ve ningún pájaro y sólo se oyen el desagradable sonido de sus graznidos. Espeluznante. Y detrás de todo eso sólo podía estar la brillante mente de Bernard Hermann. Pero todo cambia en el final de la película. No hay ni ruido, no hay graznidos... con lo cual podríamos entender que el terror ha pasado. Y no es asi. Porque Hitchcock rueda simple y llanamente el fin del mundo. Porque en el fin del mundo no habrá ni gritos ni violencia, eso lo dejamos para los prolegómenos. El fin será un espeluznante desierto de silencio y soledad.

En el final de esta obra maestra brutal y metafórica ni se atrapa al villano ni el bueno se lleva la chica. El mal gana pero sin obviedades ni subrayados. Todo con tranquilidad y, como he dicho antes, silencio. La perversión de Hitchcock en el final es modélica. Los cuatro protagonistas pasean con movimientos pausados por un camino lleno de pájaros inmóviles pero con sed de sangre. Logran su primer objetivo, llegar al coche sanos y salvos. Después logran el segundo objetivo, lograr arrancar el coche e huir de la casa. Y ya no hay más información. Sólo un detalle, los graznidos vuelven a sonar. ¿Final feliz? Claro que sí, los protagonistas han logrado salvar la vida. Repetimos, ¿final feliz? Claro que no, porque Hedren, Taylor, Tandy y Cartwright sólo pueden estar felices de sobrevivir un día pero su final (como el de toda la humanidad) puede llegar cualquier día. Y el de todos. Porque Hitchcock no nos cuenta la historia en Los pájaros de unas personas que sobreviven al ataque de unas aves. Nos cuenta la historia de unos personajes que sobreviven unos días al fin del mundo. La esperanza se deja para otra película u otra historia .Aquí no tiene cabida.

Programa Vivir Rodando 22 Abril 10

2010-05-01T20:56:00.001+02:00

A su manera Sergio Leone cambió la historia del cine. Cogió el género más clásico de todos (el westen) y le dio la vuelta convirtiéndolo es una sucesión fascinante de imágenes de violencia, humor y mucho cine. La Trilogía del Dólar y el spaghetti western supone una parada indispensable en la historia del cine y para explicarnos lo importante que fue Vivir Rodando recluta a dos grandes, José Carlos Lledo y Patricio Vidal (creadores del programa de culto “El bueno, el feo y el malo”). Un western diferente en Vivir Rodando.

Para escuchar o descargar el programa pinchad en:

. Programa Vivir Rodando 22 Abril 10 (Especial La Trilogía del Dolar / Spaghetti Western)

Tim Burton a la sombra de Lewis Carroll

2010-04-22T23:24:00.000+02:00

- Alicia en el País de las Maravillas - (Tim Burton, 2010)

Si a un niño no se le castiga cuando hace algo malo acaba creyendo que lo que ha hecho está bien y habrá posibilidades de que repita esa acción. Cuando Tim Burton dirigió la insípida (y única mala película del director) El planeta de los simios el problema fue su gran éxito de taquilla. Tanto dinero junto legitimó en cierta manera el hacer del director y quizá algo cambió en Burton. Porque hace unos años si nos hubiéramos enterado que Tim Burton iba a idrgir las adaptaciones al cine de las obras emblemáticas de Roald Dahl (Charlie y la fábrica de chocolate) y Lewis Carroll (Alicia en el País de las Maravillas) medio mundo hubiera dado palmas con las orejas. Pero los tiempos cambiaron con el éxito de El planeta de los simios.

Porque de que de la adaptación de Tim Burton del universo Carroll saliera una mala película es algo imposible. Alicia en el País de las Maravillas tiene los ambientes, la fauna y los personajes. Están allí son reconocibles y fascinan tanto como con la lectura de los libros o con la visión de la película de Disney. Burton sabe a que juega y lo hace con gran precisión. Ver el cuento de Alicia en pantalla grande con alguien con buen gusto para las narraciones extraordinarias es algo que no se puede desdeñar. El único problema es que da la sensación que a Lewis Carroll se lo ha comido Tim Burton ya que podemos ver la obra del escritor pero cuesta más descubrir la del director. Cuanto más avanza la película cuesta más ver la diferencia entre una gran película de autor y un telefilm de lujo de una gran cadena (de lujo si pero telefilm al fin y al cabo). Porque no puede haber ninguna queja con el gato de Chesire, el Conejo Blanco, el Sombrero Loco (aunque, a veces, puede ser algo cansino)...que no decepcionan y están tal y como hemos podido imaginarlo. El único problema es más de fondo que de forma. Da la impresión que Burton nunca le encuentra el punto a la historia para lograr realizar una película completamente suya a pesar de tener todos los medios del mundo. Y eso repercuta en que tengamos vivir más de hora y media de la fascinación de unas imágenes preciosas y, a veces, fascinantes pero sin ningún golpe especial que creamos que estamos viendo “algo distinto”.

Porque quizá esta película llega demasiado tarde. El Burton más cercano a Eduardo Manostijeras con menos presupuesto y medios hubiera podido cazar mejor lo que quería él y lo que quería Carroll para hacer una gran película. Pero estos no son tiempos de magia. Burton ha accionado el piloto automático para hacer una película más que correcta, entretenida y disfrutable. Pero no para dejarnos con la boca abierta y simplemente con una media sonrisa. Un obra para disfrutar pero no para permanecer.

Lo mejor: los personajes de el País de las Maravillas, en especial mi querido gato de Chesire

Lo peor: que la personalidad de Tim Burton no sobresalga más

. Videojuego barroco y anodino (Desirée de Fez, El Periódico)

. Alicia grande, Alicia pequeña (Scotty, El blog de Scotty)

. Un relativo País de las Maravillas (Carlos Boyero, El País)

Series de cine: El ala oeste de la Casa Blanca. La métrica del poder

2010-04-17T00:59:00.001+02:00

Al revés que en el cine en la series el termino autor es poco utilizado. Aunque esa tendencia está cambiando, el menudo de la televisión siempre ha dado la imagen de ir pasos atrás que otros artes como el cine y la pintura. Y en realidad es algo bastante injusto porque, por poner un ejemplo, Valerio Lazarov podía ser considerado un autor independientemente que gustara más o menos lo que hacia. Pero si alguien puede ser considerado un verdadero autor dentro de la televisión es Aaron Sorkin. El guionista y dramaturgo creo y elaboro una de las obras cumbres de la historia de la televisión, El ala oeste de la Casablanca. Y el termino crear nunca tuvo tanto sentido ya que escribió desde la primera a la última letra de los guiones de la serie, controlando cada coma y el ritmo de cada frase. Lo hizo hasta que el estrés y las drogas tuvieron que dejar la serie en otras (y sabias manos) en sus últimas temporadas. Y la verdad es que aunque ese control no iría bien para su salud sí lo hizo para El ala oeste de la Casablanca ya que estamos antes una de las ficciones más apasionantes y mejor escritas jamás vistas en televisión o en cine

Porque El ala oeste de la Casablanca es lo que indica el título ni más ni menos. La vida diaria en el lugar de trabajo del hombre más poderoso del mundo. Pero la gracia de todo esto es que no se centraba en la vida y milagros del presidente de Estados Unidos. Es más, aquí este personaje (interpretado por Martin Sheen) es un secundario de lujo. Sorkin se centra en los personas que realmente dominan el mundo (aparte de los grandes empresarios), los que rodean al presidente, sus consejeros, los trabajadores de este ala oeste. Y la serie no pretende ni magnificar ni empequeñecer la historia, aquí lo que importa es el día a día de estos trabajadores, y si la trama es la aprobación de una ley sobre impuestos en el Congreso, ese es el argumento. Pero la clave está en cómo contar las cosas y en eso Sorkin es un maestro. Unos diálogos largos y de ritmo infernal (esos duelos Janel Moloney contra Bradley Whitford de las primeras temporadas) hacían que hasta el más mínimo detalle de la serie resultara apasionante. Es más, el peligro de sentirte acomplejado ante tal nivel de inteligencia que ves en pantalla es alto.

Los diálogos de Shakespeare necesitaban grandes actores para recitarlos. Lo mismo sucede en El ala oeste de la Casablanca. El gran nivel dialéctico sólo podía contar con un reparto de altura. Y estamos ante una de las mayores exhibiciones actorales que se hayan podido ver. De la serie, que no tenia un protagonista claro, destacaba ese quinteto de la muerte formado por Allison Janney (¿alguien me va a vender que Meryl Streep es mejor actriz que ella? Entonces, ¿por qué no es una superestrella con veinte nominaciones al Oscar?), Richard Schiff (cuantas cosas podía decir con apenas un par de gestos), John Spencer (descanse en paz, maestro), Bradley Whitford y Rob Lowe. Aunque la serie contó con grandísimos actores ese quinteto estableció una química que sintieras cercanos a esos hombres tan poderosos.

Con la baja de Sorkin siempre se ha dicho que la serie bajo de calidad cuando quedo en manos de John Wells. Lo siento pero no es mi opinión. Las cinco temporadas de la serie son de matricula de honor dejando un cum laude para la séptima. Va de un joven congresista hispano (Jimmy Smits, soberbio) que intenta convertirse en presidente de los Estados Unidos venciendo a un veterano republicano (Alan Alda, más soberbio todavía) y con un programa electoral arriesgado con un plan de educación revolucionario. ¿Suena de algo? A lo mejor si cambiamos las palabras negro por hispano, al veterano republicano le ponemos el rostro de John McCain y en vez de plan de educación sea de sanidad obtengamos algo que nos resulte familiar. Otro de los motivos de la grandeza de El ala oeste de la Casablanca. No sólo hacer de la realidad algo apasionante sino ejercer de pitoniso del futuro. Otro motivo más aunque sí hubiera que escribirlos todos acabaría siendo un documento tan largo como la constitución estadounidense. Sólo hay que decir, gracias señor Sorkin. Autor Sorkin, mejor dicho.

El cine que viene: Habitación en Roma. Me viene a la cabeza...

2010-04-03T00:20:00.001+02:00

Cuando era pequeño y ponían una película en televisión sabía perfectamente si estaba ante una producción estadounidense, europea y española. Y no por detalles tan intelectuales como su factura o la fotografía. Ni era ni soy tan listo. Para mí estaba ante una película española (o europea) si había algún desnudo por mínimo que fuera. Es algo que se intuye si se empieza a ver cine. Los europeos somos más alegres en cuanto a desnudar a nuestros actrices y actores. Los norteamericanos, en cambio, lo son para asesinar o destripar a gente. Cuestión de moral, ética, educación o, simplemente, gusto. Dicho esto, la coletilla, “el cine español sólo sabe sacar tetas y culos” siempre me ha parecido de una simpleza total. Que un film tenga o no tenga desnudos no la convierte ni en mejor ni en peor película. Esto viene a colación porque Julio Medem estrenará en el Festival de Málaga la esperada (y para muchos ya juzgada) Habitación en Roma. No voy a contar mucho más del film que ya se sepa, remake de la chilena En la cama narra la apasionada noche de sexo que viven Elena Anaya y Natasha Yavorenko en la habitación de un hotel en Roma. A la película ya se le ha juzgado (para bien o para mal) solamente por unas cuantas imágenes o trailers. Yo no estoy capacitado para hablar ni mal ni bien puesto que no la he visto pero como toda buena polémica que va a hacer correr ríos de tinta creo que es bueno compartir las ideas o preguntas que se me vienen a la cabeza.

. Su mayor o menor cantidad de sexo, ¿la hace una película desdeñable? ¿Dónde están grandes películas como El último tango en Paris, Soñadores o Instinto básico?

. Esas preguntas me llevan a otra. ¿Estamos en el 2010 o en el siglo XIII? ¿Asusta el sexo?

.¿Por qué el cambio de sexo en la pareja protagonista? La pareja heterosexual de la chilena pasa a ser una pareja lesbiana. Cualquier malpensado podría pensar en un giro pensando en algo comercial que arrastre al público más masculino...o incluso adolescente

. Porque claro con una pareja heterosexual hubiera suscitado el mismo interés...¿no?

. ¿Alguien tan, tan original como Medem (para sus fans para bien, para sus detractores para mal) necesitaba hacer un remake?

. ¿En cuanto ha influido el tremendo fracaso de Caótica Ana para que Medem se pusiera manos a la obra con un proyecto tan personal?

. La gente que ha visto Habitación en Roma habla maravillas de las interpretaciones de Elena Anaya y Natasha Yavorenko ¿Se podrá juzgar su interpretación con toda la honestidad posible sin pensar en otras virtudes? Incluyo premios, nominaciones...

. El sexo es una constante en toda la filmografía de Medem. Entonces, ¿a qué viene el escándalo qué está provocando Habitación en Roma?

. Sabiendo que es una película sobre dos personas en un ámbito cerrado. ¿Es Habitación en Roma una película con ambiciones comerciales? (vale, yo también odio esa palabra) ¿Qué la hace tan apetecible?¿Sólo los desnudos? (me remito a la primera reflexión)

. Gente que no ha visto ninguna película de Medem o que rechaza visceralmente el trabajo del director...¿irá a verla?

. Hace unos meses saltó a la palestra un trailer de Habitación en Roma en Internet que no tenía el permiso del director. Medem pudo retirarlo porque según él “no representaba el espitiru del film y sólo buscaba el morbo”. Aunque comparto que un montaje puede manipular una verdad, las imágenes son las que son y la expectación saltó gracias a ese trailer...

. ¿Quién será el primero que defina Habitación en Roma como porno?

. Y finalmente, ¿en serio una película como Habitación en Roma es tan polémica?

Si interesa verla. Si no interesa no verla. Quien espere otra cosa que no sea una película puede llevarse un buen chasco.

Ese extraño elemento llamado Emilio Aragón

2010-03-27T16:32:00.001+01:00

-Pájaros de papel - (Emilio Aragón, 2010)

Cuidado con Emilio Aragón. Intentar definir en un par de adjetivos al ex payaso y ex showman sería peligroso. Aragón es un tipo capaz de apadrinar un libro para niños escrito por alguien tan siniestro como Ana Botella y, a la vez, presidir la cadena televisiva más izquierdista de todas las que pululan por nuestro país. Un personaje capaz de enfrentarse con la cadena que le dio la fama absoluta (Telecinco) y a la que dio grandes cantidades de éxito. Cuidado. Y ahora se pasa al cine con una película de posguerra, sobre cómicos españoles y ¡con niño huérfano! Y a todo hijo de vecino le saltan las alarmas porque esta huele a momentos lacrimógenos, trampas en el camino y momentos que pueden rozar lo ridículo. Y no nos engañemos, Pájaros de papel tiene todo de eso. Pero el gran mérito de la película es como nos tragamos sus dos horitas como si nada. Reconozcámoslo, Pájaros de papel es un triunfo de Emilio Aragón.

Porque en esta amalgama de sentimientos (algunos bien trabajados, otros menos), excesos y trampas hay que destacar el buen trabajo de Aragón tras la cámara. Donde otro habría hecho un rancio espectáculo de cartón piedra, Aragón construye una película sólida y muy bien realizada técnicamente. La gran virtud del presidente de La Sexta ha sido saber esperar, empaparse de conocimientos y convivir con gente de talento para realizar su debut cinematográfico. Y la paciencia en este mundo es una virtud que hay que aplaudir. Porque quizá Pájaros de papel hace años hubiera sido un horror de película. Aragón ha aprendido lo suficiente para saber manejar un material inflamable sin quemarse (del todo)

Ni me gustan esos villanos esquemáticos, ni ese final con Miliki (llamadme insensible) ni detallitos como que la música acabe siendo un recurso machacón. Pero la realidad es que no he mirado el reloj viendo Pájaros de papel y Aragón ha sabido que un escéptico crea. No totalmente ni a ciegas pero sí en parte gracias a que detrás de la cámara había un tipo que creía en lo que hacia. Un film imposible que camina sin red por una cuerda de alambre...y que nunca llega a caerse. Como un buen equilibrista de los quizá veía Emilio Aragón en el circo. Y de los que ha aprendido la lección. Saber llegar al final del trayecto sin mirar al vacío sabiendo que lo que haces es una locura y puede acabar mal. Se nota que Aragón aprendió las lecciones del circo.

Lo mejor: su sólido empaque

Lo peor: al final no hay sorpresas y tiene los momentos lacrimógenos excesivos que todos temíamos

. Cómicos en la postguerra (Scotty, El blog de Scotty)

. Papiroflexia del corazón (Jordi Costa, El País)

. La lágrima fácil (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

Psique militar

2010-03-19T23:57:00.001+01:00

- Los hombres que miraban fijamente a las cabras - (Grant Heslov, 2009)

Sátira y militar son dos palabras que deberían ir siempre unidas. Los estamentos militares (como otras asuntos como la monarquía) es algo que en pleno siglo XXI resulta absurdo, incoherente y anacrónico. Pero todos conocemos que es algo tan fuerte como una roca que nunca podrá desaparecer de la sociedad en que vivimos. Pues ese absurdo hace que reírse de ello sea el único camino para conocer bien todo lo referente a las actividades militares que se suceden diariamente en el mundo entero. Por ello hay que sonreír ante la posibilidad de que Los hombres que miraban fijamente a las cabras se haya fijado en las pruebas mentales que el ejercito estadounidense realiza desde hace años para construir una historia tan absurda como cierta. Porque, como casi todos sabemos, el Pentágono norteamericano derrocha millones y millones de dólares en pruebas absurdas como juegos mentales o ejercicios que suelen rozar el surrealismo.

Por eso la ironía (o muchas veces cachondeo) que hay en Los hombres que miraban fijamente a las cabras es tan bien recibida. Y debemos aplaudir que nombres tan potentes como George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges y Kevin Spacey se hayan atrevido a enrolarse en una película cuyo uno de sus ejes poner en tela de juicio algunas “estrafalarias” actividades de una institución tan discutible. O por lo menos esa es una de sus intenciones. La película transcurre de manera tranquila y con un guión bastante inteligente en el viaje por Irak que emprenden los personajes de Clooney y McGregor. El problema es que parece que Grant Heslov tiene demasiado respeto por la institución porque no acaba de soltarse y aleja cualquier tipo de locura a la historia. Comprendemos mejor las intenciones del director con los estupendos flashbacks que tiene como protagonista a la mejor interpretación del lujoso reparto, Jeff Bridges. Con las lecciones del hippie Bill Django, Los hombres que miraban fijamente a las cabras encuentra su punto de locura y sátira que el film pide a gritos. Un ejemplo es ver a Clooney soltando a su verdadero yo gracias a las lecciones de baile de Bridges que se convierte en uno de los grandes momentos del film.

Ironía placida. Así se podría definir a Los hombres que miraban fijamente a las cabras. Un buen guión, grandes actores y una buena historia a la que lamentablemente le falta algo más de caos y locura para transmitir todo lo que no quiere decir el film. Esa anarquía llega en una parte final del film donde cabras y hombres se juntan en un peculiar mensaje de libertad, militares y LSD que hace que acabemos con una sonrisa una película cuyas intenciones hay que comprenderlas más que verlas.

Lo mejor: las lecciones psíquicas de Jeff Bridges

Lo peor: le falta algo de locura

. Mentalisme i autopàrodia (Quim Casas, El Periódico)

. El pelotón chiflado de los Jedi (El cinéfago, Cinéfagos anonimos)

. La guerra de las galaxias, o casi (Ana Sánchez de la Nieta, Fila Siete)

Defensa

2010-03-09T16:30:00.001+01:00

- Un profeta - (Jacques Audiard, 2009)

A los que no habitamos en ese país tan amado y odiado llamado Francia se nos vende una imagen especifica de ese lugar a veces equivocada. Glamour, intelectualidad y finura es la marca made in France que intentan que compremos. Pero las noticias (que, a veces, es otra forma de ficción) nos trasladan a la Francia de los conflictos raciales, la difícil convivencia y la violencia. Por eso para mostrarnos esta realidad tenemos que irnos a un microcosmos particular como puede ser una cárcel. En esta ocasión, la cárcel de Un profeta.

La película de Jacques Audiard es toda una metáfora en si misma de cómo un extranjero sin cultura ni (aparente) inteligencia consigue sobrevivir en un entorno hostil a base de las lecciones de la vida. En esta ocasión la cárcel es un reflejo de lo que puede ser una sociedad cualquiera repleta de peligros y donde sobrevivir puede ser una cuestión de instintos, sagacidad y suerte. Un profeta funciona como un perfecto reloj de dos horas y media con un ritmo que no desfallece ni un solo minuto. Muchos directores norteamericanos llamados “artesanos del espectáculo” deberían aprender de Un profeta para saber construir una historia que no aburre en ningun momento. Pero Audiard es un tipo listo porque sabe que no sólo de ritmo narrativo vive el hombre (cinéfilo). Un profeta se convierte en el ejemplo perfecto de que una buena película se puede trabajar teniendo los elementos idóneos. Lo más destacable es la gran interpretación de Tahar Rahim que apareciendo prácticamente en todos los segundos del film sabe como hacer evolucionar su personaje que pasa de tener miedo y ser ignorante a ser poderoso y con fuerza. Y todo ello con una economía gestual encomiable. Y luego están las magnificas aportaciones secundarias de Niels Arestrup o Adel Bencherif, la utilización de la música de Alexandre Desplat o un guión de hierro escrito por Thomas Bidegain y el propio Audiard. Con cada cosa en su sitio se logra una estructura casi sin fisuras.

Un profeta es cine negro, en la mejor tradición del polar francés del cual Jacques Audiard se ha convertido en el gran heredero. También es cine social que habla sobre las raíces de cada persona que, al final, acaban siendo algo vital en nuestra vida sea como sea ésta. Pero lo que acaba siendo Un profeta es una película sobre el ser humano y sus límites (o falta de ellos) cuando se trata de sobrevivir. Al final sea lo miserable que sea tu vida de lo que va esto es de llegar al final y es lo que enseña Un profeta. Un (supuesto) cordero sobreviviendo en un manada de lobos. Y no hace estar en una carcel francesa para tener esa sensación de intentar sobrevivir. Por eso, Un profeta acaba siendo una gran película educativa.

Lo mejor: el "profeta" Tahar Rahim

Lo peor: algunas imagenes metafóricas pueden chocar con el resto de la película

. La mala educación (Jordi Costa, El País)

. Dos profetas. Y a uno de ellos vale la pena seguirle (Rafa Martín, Las horas perdidas)

. La cárcel como escuela y trampolín (Oti Rodríguez Marchante, ABC)

Programa Vivir Rodando 4 Marzo 10

2010-03-04T16:49:00.001+01:00

Julio César, La huella, Eva al desnudo, El día de los tramposos, Ellos y ellas, Carta a tres esposas...todas estas películas (y algunas más) tenían un denominador común, la brillantez de sus palabras. Algunas de ellas escritas en palabras de otros pero cuyo director tenía la virtud de hacer suyas. Un director, un genio, un maestro, Joseph L. Mankiewicz. Y para hablar con alguien que dominaba tan bien la palabra necesitábamos a alguien de su altura. Vivir Rodando cuenta con el lujo de tener a Eduard Aguilar (creador de Tinta Sonora) nos lleva y analiza el complejo pero genial mundo Mankiewicz.

Si quieres escuchar o desgargar el programa pincha en:

. Programa Vivir Rodando 4 Marzo 10 (Especial Joseph L. Mankiewicz)

Decálogo

2010-03-02T17:04:00.006+01:00

Robert Forster, ex-miembro del mítico grupo The Go-Betweens, ha publicado el libro The 10 rules of rock and roll, antología de los textos que escribió como critico musical en la revista. El periodista musical de El País, Diego A. Manrique ha resumido estos puntos que paso a analizar:

- Nunca sigas a un artista que describe su trabajo como "oscuro". Entiendo: demasiados grupos atormentados con solemnes pretensiones de profundidad. Si realmente fueras oscuro, no necesitarías ponerte esa medalla.

(Cuidado con los depresivos. Yo ya tengo problemas, ¿por qué me van a interesar los tuyos?)
- La penúltima canción es la más floja. Conviene especificar que Foster se refiere a discos, discos de larga duración. Y sabe de lo que habla: la última canción obligatoriamente debe ser poderosa; la penúltima suele ser la que no deja a nadie satisfecho, pero costó tanto grabar que hay que buscarle un lugar discreto.

(Una realidad como un templo. Esa canción que nunca volveras a poner y que pasaras rápido para ir al final del disco)

- Los miembros de las grandes bandas se parecen. Tal vez se trate de un espejismo. Para Robert, se hace más evidente según envejecen: 30, 40 años de convivencia lo explicarían.

(Básicamente porque todos han tomado las mismas sustancias y demás bebidas o no bebidas)

- Ser una estrella del rock es un trabajo de 24 horas al día. La profesión se convierte en personalidad. Uno no desconecta: ha ingresado en una élite que imprime carácter. Para lo bueno, para lo malo.

(Y hay que ser un maldito divo hasta para ir a comprar el pan, aunque el panadero no tenga ni pajolera idea de quien eres)
- El grupo con más tatuajes tiene las peores canciones. Una maldad de Foster: alguien que se ocupa tanto de su imagen no tiene mucha seguridad respecto a sus dotes musicales.

(Por supuesto Robert. El tiempo que se dedican a hacerse tatuajes podrían componer alguna canción. No pueden porque no tienen talento y se dedican a hacer el chorra tauandose dragones y esas cosas)

- Nada interesante ocurre en un escenario tras los primeros 20 minutos.

(Para mí al revés. Si no ha sucedido nada en 20 minutos no esperes milagros)

- El guitarrista que cambia de instrumento cada tres canciones está presumiendo de su colección de guitarras. Siempre lo sospeché: en el alboroto de un directo, se pierden las características únicas de tal o cual guitarra vintage.
(Como los que cambian de ropa cada cinco minutos. Si estamos tocando fatal habrá que perder el tiempo en algo. Cambiemos camisetas o guitarras para ver que si no hay talento tenemos vestuario)

- Todos los grandes artistas se esconden detrás de su manager. Evidente: la estrella no desea mostrarse antipática, codiciosa, exigente; eso va en el porcentaje de su representante.
(En muchos casos a los artistas les mola figurar como antipáticos o codiciosos. El buen rollo no vende)
- En los grandes grupos no caben integrantes haciendo discos en solitario. Muy discutible pero entiendo el romanticismo de Foster: el grupo como compromiso total, una suma de esfuerzos sin margen para caprichos personales o exhibiciones de ego.

(La nueva aventura de fulanito en solitario. Esa frase siempre da miedo cuando se refiere a tu grupo favorito)

- La banda de tres piezas es la forma de expresión más pura del rock. El formato de trío obliga a un ejercicio atlético del rock, enormemente liberador: El bueno, el feo y el malo contra el resto del mundo. Además, contiene la prueba de fuego: un power trio sólo puede ser paladeado por los que distinguen entre rock y pop.
(Los trios siempre han molado más que los duetos porque así el líder destaca más)

. El decálogo de Foster (Diego A. Manrique, El País)

Bendita locura

2010-02-25T16:52:00.001+01:00

- Shutter Island - (Martin Scorsese, 2010)

El aviador era una propuesta realmente interesante. No sólo por contar la apasionante vida de Howard Hughes sino que toda esa historia la iba a contar Martin Scorsese. Teníamos toda su potencia visual y narraiva al servicio de la historia de un mito contemporáneo. El resultado fue bonito, pañado pero sin pasión. Algo mas tenía de pasión tenía Infiltrados pero se volvia a repetir la sensación de que Scorsese se había vuelto funcional al rodar películas y ya no había esa creatividad de antaño. Quizá fracasos comerciales como las fantásticas Al límite y, en menor medida, Gangs of New York le habían hecho reflexionar de que si quería rodar debería dejar de ser menos Scorsese. Pero otra teoría pasea por mi mente. Tras librarse de la dichosa, molesta y absurda losa de no tener un Oscar, Scorsese necesitaba encontrarse con si mismo. Un proyecto donde pudiera darse el gustazo de simplemente dirigir. Sin cortapisas ni reglas. Y una película sobre la locura era el idóneo en este momento de su carrera.

Porque Shutter Island no es una historia sino el delirio de un genio creativo. La película es una excusa para que Scorsese se libere de toda la represión que ha tenido durante los últimos años y explore los límites de la dirección. Vuelve el frenesí, la música a todo volumen, el ritmo endiablado, homenajes al cine clásico... toda una colección de postales que mezclan los colores vivos con la oscuridad más absoluta. Y Scorsese sólo podía realizar una película con un argumento cercano a su delirio como director. Por mucho que este basado en una novela de Dennis Lehane del argumento hay que olvidarse. Es más si nos interesa algo las interrogantes del film se pueden adivinar perfectamente a los veinte minutos de inicio de Shutter Island. Todo es una excusa. Un perfecto Leonardo Di Caprio ejerce de guía dentro de la mente de uno de los grandes talentos cinematográficos del siglo XX. Shutter Island habla de la recuperación de Scorsese como director y creador. Cada plano, cada secuencia es un experimento que va más allá del anterior y el resto (actores, guión, argumento...) son títeres. Al final lo que importa de Shutter Island es el delirio y la locura con que Scorsese coge una historia sin pies ni cabeza y la hace suya. Shutter Island no es ni más ni menos que la terapia de un creador que nos utiliza (a los espectadores) como cobayas. Y el espectador (seguramente la mayoría) disfrutamos de lo lindo adentrándonos en la mente de un genio. Porque Shutter Island es nada más ni nada menos que un fantástico experimento.

Lo mejor: su exceso

Lo peor: su giro final es más que previsible

. En el laberinto de la culpa (Julio R. Chico, La mirada de Ulises)

. Pulp Scorsese (Samuel Pérez Moreno, Tío Oscar)

. La enigmática isla tridimensional (Sergio Roma, Cinebulosa)

Programa Vivir Rodando 18 Febrero 10

2010-02-20T14:41:00.001+01:00

El 7 de marzo se entregaran los Oscars. Por ese motivo Vivir Rodando saca el esmoquin y hace de pitoniso dedicando el programa del 18 de febrero a analizar los ganadores (y perdedores) de la próxima edición de los premios emblemas del cine mundial. Para ello contamos con el que más sabe cuando hablamos de premios y estatuillas, Nacho Gonzalo, administrador de la web de Lo que yo te diga. Si te interesa ver el futuro escucha el último Vivir Rodando.

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. Programa Vivir Rodando 18 Febrero 10 (Oscars II)

Sangre en el campo, menos en la pantalla

2010-02-15T18:33:00.000+01:00

- Invictus - (Clint Eastwood, 2009)

¿Por qué Million Dollar Baby fue una de las grandes películas de la última década? Una de las razones fue que Clint Eastwood supo elevar con maestría una sencilla historia de boxeo con elementos que podrían ser propios de un telefilm de Antena 3. Incluso Gran Torino (aunque muy inferior a Million Dollar Baby) era otra historia sencilla con visos de gran películas por la perfecta narración de Eastwood., Pues ahora el bueno de Clint se mete en un maravilloso lio que, en un principio, parece que no tenga nada que ver con él. Porque con Invictus tenía que hablar de la unión de un país separado por el odio, de una victoria deportiva épica, de Nelson Mandela, de valores humanos, de política... Todo un reto.

Y hay que reconocer que el principio es una grata sorpresa. Con sencillez, Invictus retrata muy bien como la figura de Nelson Mandela intentó que Sudafica mirara al futuro olvidando la pesadilla del apartheid. Mediante pequeños detalles (los guardaespaldas intentando convivir juntos, Mandela salvando al equipo de rugby...) Eastwood logra que podamos comprender la situación de ese nuevo país que estaba intentando crecer. La sencillez (que no la superficialidad)estilística y narrativa junto con la gran interpretación de Morgan Freeman se convierten en los dos aliados de la historia al lograr con dos o tres sencillas pinceladas meternos en una historia tan compleja. Incluso los que amamos el deporte y vemos el rugby como uno de los pocos deportes que sigue manteniendo valores podemos comprender las razones del máximo mandatario sudafricano para unir un país gracias a la Copa del Mundo de 1995. Y hasta ese momento todo fluye.

El problema es cuando a alguien tan calmado como Eastwood le entran las prisas. Y entonces la sencillez se vuelve superficialidad. En la segunda parte Invictus se olvida de las razones de por qué suceden las cosas y, especialmente, olvida al motor de la película, Nelson Mandela. El presidente sudafricano que hasta ahora era la clave para entender todo lo que sucede en la película se convierte en un títere de una película que parece darse prisa por acabar. Como si todo lo que está contando (un tema con muchísimos matices) no necesitará de más explicaciones e Invictus sólo existiera para narrar la final del mundial de rugby. La metáfora deportiva desaparece y sólo quedan hechos que no parece que tengan que ver con el resto de la película. Quizá toda esa segunda parte necesitaba responder (o intentarlo) a más preguntas y no quedarse sólo en pasar rápido y sin dejar huella. Aun así, Invictus es un buen acercamiento no sólo como hecho histórico o como exaltación de los valores que van más allá del deporte sino a qué es eso que solemos llamar liderazgo. Un tema complejo que aquí se queda a la mitad.

Lo mejor: Morgan Freeman y todo lo que rodea a la figura de Mandela

Lo peor: la superficialidad de la segunda parte de la película

. Invictus en Nueva York (Miguel Carvajal, Sintomático)

. Más allá del deporte (Ramón Ramos, Galax Pictures Cine Blog)

. Victoria en la tanda de penaltis (Violeta Kovacsics, Cine 365)

Realidades y esperanzas de los XXIV Premios Goya

2010-02-12T14:32:00.000+01:00

MEJOR PELÍCULA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 / AL FINAL GANARÁ: Celda 211

La película del año, en una temporada extraña. Se ha llevado el favor del público y de la mayoria de la crítica. Su victoria indicaría que cuando se hacen las cosas bien la justicia prevalece.

MEJOR DIRECCIÓN

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Daniel Monzón (Celda 211) / AL FINAL GANARÁ: Daniel Monzón (Celda 211)

Categoría complicada. Mucho gran nombre, prestigio y taquilla se juntan en los nombres de Campanella, Trueba y Amenábar. Pero, de una u otra forma, ya han sido reconocidos, por eso el premio sería para alguien que ha sabido armar una película que ha llevado al público a las salas.

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

ME GUSTARÍA QUE GANARÁ: Borja Cobeaga (Pagafantas) / AL FINAL GANARA: Mar Coll (Tres días con la familia)

Si la de dirección es complicada ésta lo es mucho más. Principalmente porque no se entiende que alguno de los nominados no esté en la categoría de mejor dirección. El prestigio que está alcanzando Tres días con la familia hace que Mar Coll sea algo más favorita que el resto. Aunque yo me quedo con el talento cómico de Cobeaga.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Luis Tosar (Celda 211) / AL FINAL GANARÁ: Luis Tosar (Celda 211)

Malamadre, Malamadre, Malamadre... Ese personaje se ha venido repitiendo desde el estreno de Celda 211 y ha sido clave para arrastrar a tanta gente a ver el film. Se rumoreo que Jordi Mollá podría hacerle frente pero no parece que le haga ni cosquillas.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Lola Dueñas (Yo, también) / AL FINAL GANARÁ: Lola Dueñas (Yo, también)

Lola Dueñas contra las stars (Cruz, Weisz y Verdú). Y no sería de extrañar que ganara ella. Penélope simplemente está bien en Los abrazos rotos, no es de Weisz de lo que más se ha hablado cuando la gente se ha referido a Ágora y Tetro queda muy lejos. Y Lola Dueñas se ha llevado todos los aplausos desde la aparición del film en el Festival de San Sebastián.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Antonio Resines (Celda 211) / AL FINAL GANARÁ: Ricardo Darín (El baile de la victoria)

Es una categoría donde destacan más la ausencias (Francella, Rago, José Luis Gómez...) que los nominados. Al estar tan abierta y ser tan extraña el premio podría ir por motivos extracinematográficos (como suele pasar). Hay muchas ganas de premiar a Darín y decirle que es “uno de los nuestros”.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Vicky Peña (El cónsul de Sodoma) / AL FINAL GANARÁ: Marta Etura (Celda 211)

A Marta Etura le pondría un piso, una estatua y lo que quisiera... Es maravillosa, una actriz descomunal, con un talento inconmensurable...pero su nominación no se comprende muy bien. Es un papel sin peso en la película que sirve de excusa para un giro argumental absurdo de Celda 211. Pero es la favorita porque hay ganas de premiarla.

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Alberto Ammann (Celda 211) / AL FINAL GANARÁ: Alberto Ammann (Celda 211)

Si Tosar está descomunal en Celda 211 poco que decir de su partenaire en el film de Monzón. Alberto Ammann le aguanta el tipo a Tosar en todo el metraje y se convierte en un duelo de tú a tú. Se siente por el divertido Gorka Otxoa

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Soledad Villamil (El secreto de sus ojos) / AL FINAL GANARÁ: Soledad Villamil (El secreto de sus ojos)

No voy a insistir en lo mismo que se ha dicho mil veces. Que Soledad Villamil es muy conocida, una estrella en Argentina desde hace años, que es una locura que sea nominada en la categoría de revelación... Simplemente hay que decir que sería un premio muy merecido se revele o no se revele...a no ser que Nausicaa Bonnin o Leticia Herrero quieran decir lo contrario

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Los abrazos rotos (Pedro Almodóvar) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Mateo Gil y Alejandro Amenábar)

Vale, ni es el mejor guión ni la mejor historia de Almodóvar. Pero debo reconocerle que sus abrazos rotos tienen ideas interesantes...aunque estén deslavazadas. Aunque el premio estará entre Sánchez Arévalo y la pareja Amenábar / Gil. La ausencia de Borja Cobeaga y su Pagafantas es demencial.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 (Daniel Monzón y Jorge Garricaechevarría) / AL FINAL GANARÁ: Celda 211 (Daniel Monzón y Jorge Garricaechevarría)

Mucha gente ha destacado el inteligente (aunque con alguna trampa perdonable) guión de El secreto de sus ojos. Otros lo han hecho por la fuerza y originalidad de Celda 211 (con una trampa menos perdonable). Dos estupendos trabajos.

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 (Roque Baños) / AL FINAL GANARÁ: Celda 211 (Roque Baños)

¿Va a intentar la Academia salvar la cara a Los abrazos rotos premiando a su estrella Alberto Iglesias? No sería la primera vez. A lo mejor prefiere consolidar en su star sistema particular a Roque Baños y proclamarlo como el heredero. Pinta que puede ser lo último.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

ME GUSTARÍA QUE GANARA: "Yo, también”, de Guille Milkway (Yo, también) / AL FINAL GANARA: : "Yo, también”, de Guille Milkway (Yo, también)

Guille Milkway (La casa azul) participa con una canción de la película Yo, también. Poco que decir. Aunque para premiarle a los académicos les debería gustar la música o escuchar las canciones que participan. Cosa complicada en este país. Aunque hay esperanzas viendo algunos rivales que tiene.

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 (Alicia Tellería) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (José Luis Escolar)

El gigantesco proyecto de Amenábar tendrá su merecido premio con este goya que premiará las dificultades de crear una película como Ágora.

MEJOR FOTOGRAFÍA

ME GUSTARÍA QUE GANARA:After (Alex Catalán) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Xavi Giménez)

En previsión que Ágora acabe perdiendo varios premios ante el film de Daniel Monzón, la Academia puede comenzar a darle varios premios técnicos. Y el estupendo trabajo de Giménez podría verse recompensado. La nominación del fantástco trabajo nocturno de Alex Catalán debería convertirse en premio.

MEJOR MONTAJE

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 (Mapa Pastor) / AL FINAL GANARÁ: Celda 211 (Mapa Pastor)

Si (REC) destacó por su potente montaje el año apasado es incoherente que (REC) 2 no esté en esta terna final. El consuelo sería la victoria del vigoroso trabajo de Mapa Pastor en Celda 211.

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Ágora (Jan Sewell y Suzanne Stokes-Munton) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Jan Sewell y Suzanne Stokes-Munton)

Lo dicho. El excelso trabajo de ambientación de Ágora comenzará a dar sus frutos en cuanto a premios se refiere. Y recordemos como les gusta a los académicos premiar a películas historicas en estos apartados.

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Ágora (Guy Hendrix Dyas) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Guy Hendrix Dyas)

Muy merecido premio para la recreación perfecta de una época clásica con los medios del siglo XXI.

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

ME GUSTARÍA QUE GANARA:Los abrazos rotos (Sonia Grande) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Gabriella Pescucci)

Elementos para el premio de Ágora, el gran trabajo de recreación histórica y que en estos apartados gusta mucho tirar de “cuanto más antiguo, mejor”. Yo me quedo con lo contemporáneo de Los abrazos rotos.

MEJOR SONIDO

ME GUSTARÍA QUE GANARA: Celda 211 (Sergio Burmann, Jaime Fernández y Carlos Faruolo) / AL FINAL GANARÁ: Celda 211 (Sergio Burmann, Jaime Fernández y Carlos Faruolo)

Entre Ágora y Celda 211 se debatirá la cosa. Aunque este premio técnico pinta que vaya para la saca de Celda 211.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

ME GUSTARÍA QUE GANARA: (REC) 2 (Álex Villagrasa y Salvador Santana) / AL FINAL GANARÁ: Ágora (Félix Berges y Chris Reynolds)

Sigue el espectáculo. Lo grandioso de Ágora se refleja en unos cuidados efectos especiales. Posibilidades para Spanish Movie aunque uno se queda con el trabajo de guerrilla de (REC) 2

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: La clase, de Laurent Cantet (Francia) / AL FINAL GANARÁ: Slumdog Millonaire, de Danny Boyle (Gran Bretaña)

Me duele que Déjame entrar vuelva a quedar fuera de un gran premio pero esa lección magistral de Laurent Cantet merece todos los premios. Los académicos no van mucho al cine y quizá opten por lo fácil.

MEJOR PELÍCULA HISPANOAMERICANA

ME GUSTARÍA QUE GANARA: El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella (Argentina) / AL FINAL GANARÁ: El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella (Argentina)

El secreto de sus ojos ha gustado a críticos y público por igual. Pero su condición de más argentina que española hará que se vaya de vacío. Por eso este premio no tiene discusión.

GOYA DE HONOR: Antonio Mercero

Arrasó en audiencia con producciones muy distintas (La cabina y Farmacia de guardia). Supo hacer industria y cine al mismo tiempo. Un tipo con cabeza y talento para lo de hacer cine y televisión. Homenaje merecido.

Los XXIV Premios Goya se darán el 14 de febrero a las diez de la noche en una ceremonia retransmitida por TVE y presentada por Andreu Buenafuente. Para ver la lista completa de nominados pincha aquí.

En los desiertos de la locura

2010-02-09T12:29:00.001+01:00

- En tierra hostil - (Kathryn Bigelow, 2008)

Soy europeo. Además puedo considerarme antibelicista ya que considero que la guerra es una de las cosas más absurdas (sino la más) inventadas por el hombre y que generalmente sirve para que un puñado de inocentes muera mientras los verdaderos culpables se van de rositas. Con estos dos antecedentes y a tenor de los comentarios suscitados se supone que debería ver con malos ojos la película En tierra hostil. Acusarla de no tener una ideología definida o en caso de tenerla ser un ejemplo de patrioterismo norteamericano o ser reaccionaria. Lo siento pero me es imposible. Simplemente porque la experiencia de ver En tierra hostil en pantalla de cine (este matiz es importante) ha sido grande. Muy grande.

Kathryn Bigelow no aspira a hacer grandes discursos ni dar lecciones. Aquí no hay ni lirismo (La delgada linea roja), ni ambigüedad (Salvar al soldado Ryan) dos vías legitimas y que dieron pie a grandes películas. Bigelow es pura testosterona y lo sabe, por eso se encarga de crear una película de acción. Pero no acción de ver a Chuck Norris o Steven Seagal repartiendo bofetadas a diestro y siniestro. Acción de movimiento, frenesí y, especialmente, locura. Porque en la guerra no hay tiempo para pensar ni digerir lo que vives, si paras mueres. Por eso la cámara de Bigelow no se detiene en ningún momento y refleja con una verosimilitud tan exacta como espantosa que la muerte se encuentra en cada esquina de la guerra de Irak.

Que En tierra hostil no tenga ideología no quiere decir que no exprese una idea. Bigelow no quiere detenerse en grandes soliloquios sobre la vida o la muerte (aunque aquí se dice una gran frase cuando militares norteamericanos detienen a un iraqui: “si no era un insurgente ahora lo será”). Las imágenes hablan por si solas, el público tiene la última palabra para tomar partido sobre el conflicto. Bigelow pone los ingredientes y los cocina para que el espectador los deguste y diga si le gusta el plato o no. Pero sin dejar indiferente. Porque la guerra no lo hace y En tierra hostil es la guerra. Como dice un alto mando en el film: "la guerra es una experiencia que, a lo mejor, puedes vivir sólo una vez en la vida". Igual que el visionado de En tierra hostil. Una experiencia.

Lo mejor: la portentosa y prácticamente perfecta dirección de Kathryn Bigelow

Lo peor: que sea acusada de reaccionaria

. El ruido y la furia (Rafa Martín, Las horas perdidas)

. ¡BOOOOM! (Santi, Videa bien, hermanito. Videa bien)

. La adicción al peligro (Jesús León, Blog de cine)

Capitalismo inteligente y (a veces) feroz

2010-02-04T15:05:00.001+01:00

- Up in the air - (Jason Reitman, 2009)

Es curioso que una de las películas mas esperadas de este 2009, con grandes opciones en los Oscars (aunque seguramente con poca fortuna) sea un buen reflejo de estos tiempos de crisis. Porque gran parte de las virtudes de Up in the air es ser una interesante fotografía del mundo crudo y real en el que vivimos. Los momentos en que los personajes de George Clooney y Anna Kendrick se dedican a poner en su sitio al sistema capitalista quitando las manzanas podridad corresponde a lo mejor del film. El primer despido de Kendrick a través de Internet, las lecciones del tiburón Clooney a su joven alumna y la radiografía de ese ser sin ataduras ni hogar que es Ryan Bingham son los aciertos de Up in the air.

Jason Reitman se muestra como un perfecto narrador de dramas ácidos con toques de comedia que refleja con bastante acierto la realidad. Pero tan cierto es eso como que no se muestra tan brillante a la hora de cerrar la historia que nos está contando. La película funciona como un reloj durante todo el metraje, dinámica, entretenida, interpretaciones de lujo (Vera Farmiga descubriendo a quién no la conociera la gran actriz que es).... pero algo chirria. No molesta pero es un ruido que existe. La conversión de Clooney en la recta final del film no está todo lo bien desarrollada ni justificada que uno desearía (esa ridícula huida de la conferencia de Las Vegas). Una pena porque Up in the air transcurre hasta ese momento por unos caminos coherentes y elegantes.

Pero hay que ser justos y obviar esas extrañas transformaciones porque se nota el talento de Reitman para contar buenas historias pegadas a la realidad. No es de extrañar que Alexander Payne sea uno de sus principales referentes. Dos buenos cronistas de lo amargo y, a veces, divertido que puede ser la vida en la tierra...y en el aire.

Lo mejor: George Clooney y Anna Kendrick cortando cabezas

Lo peor: cierto conservadurismo previsible al final

. Frequent flyer (Marcbranches, La linterna mágica)

. Gatillazo de altos vuelos (David Garrido Bazán, CineMerida)

. La confortable soledad del tiburón (Carlos Boyero, El País)

Programa Vivir Rodando 14 Enero 09

2010-01-28T23:30:00.001+01:00

“Los premios no importan”, “lo importante son los buenos papepeles y no los premios”, “no me gusta competir con mis compañeros de profesión”...frases como esta suenan de boca de actores o directores cuando se acercan a algún premio. Y ahora que estamos en la carrera de los Oscars suenan más que nunca. No se sabe si es verdad, si los premios no importan o si todo es mentira pero es verdad que la carrera hacia los Oscars es apasionante. Y más este año que nada más y nada menos que diez películas optarán al galardón de la mejor película. Para descifrar todas las claves de esta carrera apasionante en Vivir Rodando hemos hablado con el que más sabe, el gran Nacho Gonzalo, encargado de la web de Lo que yo te diga y colaborador de la revista Entertainment Weekly. Con él hemos desgranado las novedades de este año (diez películas nominadas, oscars honoríficos de Lauren Bacall, Roger Corman y Gordon Willis fuera de la gala, Steve Martin y Alec Baldwin presentadores) y nos hemos atrevido a apostar quienes serán los nominados de esta edición

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. Programa Vivir Rodando (Especial Premios Oscar)

Series de cine: Los Simpson. Nuestro familiar favorito

2010-01-17T20:53:00.001+01:00

Con el 20 aniversario de Los Simpson surgen las voces que hablan sobre lo que debería ser el final de la serie. Los argumentos son varios y escuchados cientos de veces: “la serie ya cansa”, “ya no son tan mordaces”, “la serie ha bajado de calidad”. Mi humilde opinión es que la serie no debería finalizar ni con su veinte aniversario ni cuando cumpla cien años en antena. Mi razón es sencilla, Los Simpson ya no son una serie sino uno de los bienes culturales más importantes de la historia.

Permitidme hacer una analogía. Algunas familias tienen un pariente (generalmente un tio) que hace les visita de forma más o menos periódica. Los (generalmente) sobrinos alucinan con él, es gracioso, ingenioso, simpático y cuenta historias alucinantes sobre su vida. Pasan los años y las siguen las visitas de este familiar. Pero ya no es lo mismo. Ni es tan gracioso y sus historias suenan a repetidas aunque hay algo que no cambia. El cariño. La presencia de ese familiar se ha hecho tan común que sus visitas se convierten en algo necesario. Así son Los Simpson. Quizá ni sean tan ingeniosos, ni sean capaces de levantar las ampollas de antaño (aunque eso está por ver) pero todo eso es perdonable. Porque son algo más. Son necesarios.

La gran virtud de la serie amarilla ha sido la universalidad. Pronto fueron conscientes los mandamases de la serie que centrarse en cinco personajes de una serie era un error. Si Los Simpson querían reflejar el mundo en el que vivimos debían centrarse en la sociedad en la que vivía la familia. Por eso Los Simpson erraron en el titulo de la serie, en realidad deberia llamarse Springfield. Krusty, Ned Flanders o el jefe Wiggum tienen tanta importancia en la serie como Lisa ("la respuesta a una pregunta que Springfield nunca ha fomulado", decía Seymour Skinner de ella) o Bart Simpson. Por eso estamos ante una serie tan universal (cosa que no le sucede a Padre de familia, por ejemplo). En ella vemos a nuestros amigos, vecinos y a nosotros mismos. Y eso sin dejar de ser (para bien) una producción muy norteamericana. Se nota que detrás de ella están algunas de las mentes mejores pensantes que trabajan en televisión actualmente (licenciados en universidades tan prestigiosas como Oxford o Harvard)

Por eso no deben desaparecer. Los Simpson ya no pertenecen ni a su primigenio creador Matt Groening (cada vez con menos peso en la serie), ni a la Fox, ni a Rupert Murdoch, ni a Estados Unidos... Como las siete maravillas del mundo pertenece al mundo. Y no hay que fijarse en si un argumento es mejor o peor. Hay que mirarlo en las temas que tocan donde Los Simpson han hablado de homosexualidad, marginación social, violencia, política, religión... Hay que disfrutar de los mil y un matices que tiene cada secuencia con sus fantásticos homenajes al cine, a la música y al mundo de la cultura en general. O de la creación del personaje de ficción que mejor refleja la realidad humana como es Homer Simpson. Y especialmente hay que celebrar que podamos tener una cita diaria con algo que ya no es una serie estadounidense. Es algo nuestro que pertenece a nuestra familia y la que nunca juzgaremos por los años que cumplan. 20 años no es nada, es sólo el comienzo.

Escucha la entrevista a Joe Crepúsculo

2010-01-09T13:13:00.003+01:00

Como ya escribí aquí la compañera de la Radio UMH, Ángeles, y un servidor fuimos a entrevistar a Joe Crepúsculo. Para escuchar la entrevista podéis hacerlo pinchando en en el reproductor

También puedes escuchar cortes de la entrevista en la sección de música del último programa de Y si no, nos enfadamos

. Programa Y si no, nos enfadamos (Entrevista Joe Crepúsculo)

Lo mejor de 2009 (IV): Las mejores películas de 2009

2010-01-05T20:15:00.000+01:00

1. LA CLASE (Laurent Cantet)
2.DÉJAME ENTRAR (Tomas Alfredson)
3. EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON (David Fincher)
4. DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS (Spike Jonze)
5. ENEMIGOS PÚBLICOS (Michael Mann)

A principios de este año que se va se estrenaba la ganadora de la Palma de Oro de Cannes, La clase (absurda traducción de Entre les murs). A primera vista una muestra más de cine social de Laurent Cantet. Pero si rascamos nos encontramos ante una de las películas más complejas de la última década. Tratar un tema delicado y complejo como la educación sin ningún viso de demagogia barata. Simplemente haciendo algo tan fácil como meter una cámara hasta la cocina de lo que es una clase en un instituto de verdad. Ni un dialogo de más. Ni un giro de guión absurdo. Cantet hace algo tan difícil como es crear una obra maestra simplemente haciéndolo de la manera más fácil posible.

A pesar de ser una película de terror (¿o no? ¿o es un drama social? ¿o una película romántica?) Déjame entrar es la película que más simpatías ha despertado entre todo el público este 2009. Por la sencilla razón de sorprender al personal cuando parece que ya nadie lo puede hacer en una pantalla de cine. Porque Déjame entrar sólo se puede ver en pantalla grande, para poder admirar cada belleza helada que tiene cualquier fotograma de la película. Y porque cualquier escena entre los jovenes Lina Leandersson y Kare Hedebrant merece más la pena que muchos films que se estrenan en España.

El curioso caso de Benjamin Button, Donde viven los monstruos y Enemigos públicos son tres casos similares. Directores (David Fincher, Spike Jonze y Michael Mann) por los que merece la pena pagar para ir al cine simplemente porque sabes que vas a ver algo especial. En estos tres casos vemos a tres grandes genios que superan retos complejos (especialmente en el caso de Mann) volando por encima de sus películas. Cada fotograma de El curioso caso de Benjamín Button, Donde viven los monstruos y Enemigos públicos (vaya final en esta última) son de tan belleza que te hace reconciliarte con el mundo hayas tenido los problemas que hayas tenido ese día.

2009 ha sido un buen año de cine. Muchas buenas historias que podían haber estado en este top five como Celda 211, Malditos bastardos, Los mundos de Coraline, Un cuento de navidad, El desafío (Frost contra Nixon), Pagafantas, El luchador, Up, El imaginario del doctor Parnassus, Los abrazos rotos, Star Trek, El secreto de sus ojos... Y en otro grupo los films que me he dejado en el tintero (por mil razones aunque la principal sería la falta de tiempo) por ver y que gente con buen gusto me aseguran que han sido de lo mejor del año. Películas como Gran Torino, Revolutionary Road, Still Walking, Vals con Bashir, The reader, La duda, (500) dias juntos, Distrito 9, The Damned United, Los límites del control (en estos dos últimos casos culpa de su lamentable distribución), Tres días con la familia, Avatar...

Lo mejor de todo esto es que las listas son algo muy personal y donde uno descubre una obra maestra otro ve una basura. Lo deseable es que no pare el cine y que cada uno decida que es lo mejor o peor del año. Y si miramos al futuro en 2010 descubrimos Alicia en el país de las maravillas (Tim Burton), Un prophète (Jacques Audiard), The lovely bones (Peter Jackson), Shutter Island (Martin Scorsese), La cinta blanca (Michael Haneke), Invictus (Clint Eastwood)... Aunque cambiemos de año esto no para. Feliz 2010.

Lo mejor de 2009 (III): Interpretaciones de cine en 2009

2010-01-02T20:07:00.000+01:00

INTERPRETACIONES MASCULINAS DEL 2009

1. Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)

2. Christoph Waltz (Malditos bastardos)

3. Pablo Rago (El secreto de sus ojos)

4. Sam Riley (Control)

5. Mathieu Almaric (Un cuento de navidad)

También fueron grandes interpretaciones: Michael Sheen (El desafío. Frost contra Nixon), Gorka Otxoa (Pagafantas), Sam Rockwell (Moon), Luis Tosar, Alberto Ammann (Celda 211), Mickey Rourke (El luchador), Johnny Depp (Enemigos públicos), Ricardo Darín, Guillermo Francella (El secreto de sus ojos), José Luis Gómez (Los abrazos rotos), Max Records (Donde viven los monstruos), Kare Hedebrant (Déjame entrar), François Bégaudeau (La clase)

INTERPRETACIONES FEMENINAS DEL 2009

1. Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

2. Lina Leandersson (Déjame entrar)

3. Mélanie Laurent (Malditos bastardos)

4. Rachel Evan Wood (Si la cosa funciona)

5. Marisa Tomei (El luchador)

También fueron grandes interpretaciones: Cate Blanchett y Tilda Swinton (El curioso caso de Benjamin Button), Soledad Villamil (El secreto de sus ojos), Sabrina Garciarena (Pagafantas), Cristina Alcázar (Al final del camino)

Lo mejor de 2009 (II): 2009, momentos de cine para el recuerdo

2009-12-30T18:46:00.000+01:00

. Mélanie Laurent vistiéndose para la venganza al son de David Bowie en la divertida y cinéfila, Malditos bastardos

. Charlotte Gainsbourg, todo dolor y locura en Anticristo

. Michael Mann dando un lección de dirección y volando por encima del guión, de la historia y los personajes de Enemigos Públicos

. Pagafantas, humor (español) sin complejos. Ochenta minutos divertidos y directos al grano de la comedia

. Star Trek o cómo J.J. Abrams sabe crear un espectáculo divertido y trepidante sin tomar al espectador como idiota

. Resurrecciones en pantalla grande, Sam Riley toma el cuerpo y el alma del lider de Joy Division, Ian Curtis en Control

. Las múltiples caras de Heath Ledger con la forma de Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law en El imaginario del doctor Parnassus

. Sam Raimi vuelve al terror más puro con Arrástrame al infierno. No es Posesión infernal pero mola

. El amor otoñal de Tilda Swinton y Brad Pitt en El curioso caso de Benjamin Button

. Penélope Cruz rompiendo doblemente (en carne y hueso y en pantalla de cine) con José Luis Gómez en Los abrazos rotos

. Evan Rachel Wood y Patricia Clarkson en Si la cosa funciona.El cine de Woody Allen es de las mujeres

. La clase o saber hablar de un problema social de forma clara, brillante y sin demagogias

. Marisa Tomei en El luchador desplegando más belleza, inteligencia y erotismo que cualquier veinteañera estrella norteamericana

. Duelos que saltan chispas, Alberto Ammann contra Luis Tosar en Celda 211 y Sam Rockwell contra Sam Rockwell en Moon

. La intensidad que tiene cada fotograma de la ¿familiar? Un cuento de navidad

. El tono oscuro de Los mundos de Coraline y el fantástico repertorio de interpretaciones de El secreto de sus ojos (Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Guillermo Francella...)

. El rostro de Max Records en Donde viven los monstruos. Perfecto acompañamiento a las poderosas y emocionantes imágenes de Spike Jonze

. Toda la helada belleza que contiene esa maravillosa sopresa llamada Déjame entrar

. Música y cine, imposible vivir sin ellos. Una muestra la han dado Clint Mansell (Moon) Alexandre Desplat (El curioso caso de Benjamin Button), Michael Giacchino (Star Trek / Up), Bruno Coulais (Los mundos de Coraline), Karen O y Carter Burwell (Donde viven los monstruos), Elliot Goldenthal (Enemigos públicos)...

Lo mejor de 2009: Los oyentes dictan sentencia

2009-12-24T01:17:00.000+01:00

Sobre artes como la literatura, el cómic o el teatro siempre ha pesado la losa de ser expresiones algo elitistas. Todo lo contrario le sucede al cine que es quizá el arte más popular que existe. Por eso, Vivir Rodando se exigió este año preguntarle a sus oyentes / simpatizantes que era lo mejor que habían visto este año. Con las interesantes y exquisitas aportaciones de los amigos hemos podido realizar un crisol ecléctico y genial de lo que ha sido este año 2009. Listas que van desde personas que han marcado un film a entusiastas que han señalado diecisiete (Roberto, ese gran cinéfilo) . Todas y cada uno han demostrado, es un lujo conocer a gente con tan buen gusto. Para ellos esto es lo mejor de 2009.

En un primer grupo se han destacado tres maravillosas y emocionantes películas. El curioso caso de Benjamin Button, Déjame entrar, El secreto de sus ojos y Los mundos de Coraline. Fincher tras realizar su obra maestra Zodiac (¿la mejor película de la década?) realiza un largo cuento sobre la muerte, la vejez y el tiempo que no ha dejado indiferente a los oyentes. Poco que decir sobre Déjame entrar. Una de las películas más hermosas (gélida belleza) de los últimos años. Pocas veces un éxito boca-oreja fue tan merecido. Y si hablamos de popularidad tenemos que referirnos a El secreto de sus ojos. La típica película tan bien realizada, con tan buena mezcla de géneros y buenas interpretaciones (de Ricardo Darín a Pablo Rago pasando por Soledad Villamil) que es imposible que deje indiferente a alguien. Películas con emociones humanas que también transmiten personajes que no son humanos como en la oscura y brillante, Los mundos de Coraline.

En el segundo grupo los oyentes sitúan una interpretación escalofriante de Kate Winslet con The Reader, la cruda realidad de la educación con La clase, la solidez de una buena historia carcelaria con Celda 211, los sueños y decepciones del matrimonio Winslet-DiCaprio con Revolutionary Road y lo que no puede faltar en toda lista de lo mejor del año, un Pixar con Up.

Y un poco más lejos se sitúa un tercer grupo de películas más amplio y heterogéneo aunque con amplias dosis de calidad. Aquí se sitúan, Still Walking, La duda, Malditos bastardos, El desafío. Frost contra Nixon, Anticristo, El vuelo del globo rojo, Un cuento de navidad, Los abrazos rotos, Enemigos públicos, Arrástrame al infierno, Slumdog millonaire, Gran Torino, El imaginario del doctor Parnassus, Resacón en Las Vegas, Ponyo en el acantilado, City of Ember y Los sustitutos.

Y por último lo más importante de todo, que no son las películas sino las personas que han colaborado para saber que es lo que más ha gustado este 2009. Roberto Pascual, Nacho Gonzalo, Annabel Martínez, Ángeles Gómez, Antonio Chaves, Unai Álvarez, Xavier Vidal, Alex F. Cornejo y Ángel Blasco, han participado en esta visión cinéfila de lo que fue 2009. Nunca un año pudo encontrar mejores jueces.

Programa Vivir Rodando 10 Diciembre 09

2009-12-14T00:08:00.001+01:00

Aunque estemos a diez de diciembre es hora de recogerlo todo y empezar a hacer balance. Que es lo mejor (o lo peor) de este año de cine que se acaba en unas semanas. Para ello hemos contado con la colaboración de la mejor persona que puede hacernos un resumen del año ya que pocas personas viven los días tan intensamente como él. El inefable Antonio Sempere. Con él charlaremos de cine extranjero y español además de mirar el futuro de lo que nos viene encima. También se podrá oír los valoraciones de algunos de los oyentes que opinan sobre lo mejor que han visto este 2009. Unai Álvarez, Antonio Chaves, Ángel Blasco, Ángeles Gómez y Roberto Pascual nos comentan las mejores películas que han visto este año. Vivir Rodando dice adiós a un año de cine.

Para descargar o escuchar el programa pinchad en:

. Programa Vivir Rodando 10 Diciembre 09 (Lo mejor de 2009)

Joe Crepúsculo: "Intento no decir tonterías en mis canciones". Crepúsculo suena y es brillante

2009-12-06T13:13:00.004+01:00

*Ángeles Gómez (compañera de la Radio UMH) entrevistando a Joe Crepúsculo

En apenas tres años Joe Crepúsculo (nombre artístico de Joël Iriarte) ha logrado estar en la cima del mundo de la música. Escuela de Zebras, Supercrepus y el reciente Chill Out son los tres discos que han llevado a Crepúsculo a ser un icono popular más reciente de la música moderna. Con esas prestigiosas credenciales se disponía a dar un concierto en La Llotja junto al grupo Souvenir el pasado viernes. Antes de la actuación nos atendió a Ángeles Gómez (compañera de la Radio UMH que consiguió la entrevista) y a un servidor, encontrándonos a un un Joe Crepúsculo tan cansado como afable y cercano.

Joe Crepúsculo ha pasado de ser alguien que combinaba su trabajo como digitalizador de videos antiguos con ser teclista del grupo Tarántula a uno de los artistas más respetados por público y crítica. El cantante reconoce que es “una sensación rara que en tan poco tiempo haya surgido todo”. Uno de los factores claves fue la buena acogida por parte de medios especializados de sus dos primeros discos, en especial del segundo Supercrepus. “Aunque el boom esté es muy raro estoy muy contento e intentó aprovecharlo siendo consecuente con mi música”, afirmaba Crepúsculo. Coherencia es una de las palabras clave en su carrera. Letras muy trabajadas y un sonido y una voz muy particular son la esencia que hacen de Joe Crepúsculo algo único en el panorama nacional. Curiosamente a Iriarte lo que más le cuesta son las letras. “Lo que mejor llevó es conseguir las melodías, los acordes...si me pongo puedo conseguir tres canciones en poco tiempo”, afirmaba Crepúsculo. Las letras son otra historia puesto que según él “le doy vueltas y vueltas para conseguir la letra ideal porque realmente tienes que tener algo que decir”. Porque para “decir tonterías ya están otros”.

Si por algo Crepúsculo ha llegado tanto a la gente es por una de las iniciativas más pioneras y arriesgadas del panorama musical. Todos sus discos son colgados íntegramente en su página web para que cualquier persona se los pueda descargar gratuitamente. Todo surgió con su grupo Tarántula “que fue uno de los primeros grupos que colgó sus discos en Internet”. Crepúsculo ve en esto algo normal, “si la gente se lo va a bajar de todas maneras le damos facilidades, además la gente que se lo quiera comprar se lo acabará comprando”. Esta iniciativa ha hecho que su música llegue a todos los rincones de España y del mundo. Otro forma de promocionar su arte llega con los videoclips, algunos de ellos auténticas obras de video-arte. El artista reconoce que “suele dejar trabajar a los directores y hacer lo que ellos digan”. Algunos videoclips ya han pasado a la historia como el que dirigió Luis Cerveró, Suena brillante. Para finalizar nos habló de un futuro y apasionante proyecto en el que está inmerso ahora. “El proyecto se llama Junco y diamante que es un proyecto con David Rodríguez (Beef) que es hacer una canción con cada comarca de Cataluña”, decía Crepúsculo. El disco (o disco) será enorme, aglutinará a muchos grupos y contará con unas cincuenta canciones.

Y luego llegó el concierto. Joe Crepúsculo con su teclado y su voz estuvo tan enorme cómo se podía esperar de él. Canción tras canción fue desgranando toda su carrera llenas de letras sobre amor y amistad. En especial se sintió más cómodo y feroz cantando las últimas composiciones de su disco Chill Out. El concierto como no acabó con Suena brillante dejando tras sí una idea. Joe Crepúsculo / Joel Iriarte es brillante.

La entrevista integra se podrá escuchar proximamente en los programas de la Radio UMH, ¿Qué puedo hacer? y Y si no, nos enfadamos

Joyas a reivindicar: Están vivos. Conciencia social carpenteriana

2009-12-05T23:10:00.001+01:00

¿El cine de Ken Loach o Fernando León se acerca realmente a la vida de los obreros, los parados o desclasados? Hay corrientes creen que este cine social (también depende de qué películas hablamos) tiene ciertas dosis de demagogia e irrealidad que le alejan de cualquier tipo de posible realismo. A veces intentar acercarte los que más sufren te aleja de ellos puesto que la realidad es prácticamente imposible de fotografiar. En otro orden de cosas tenemos un genero que siendo la antitesis de lo creíble y real, muchas veces, consigue que palpemos cómo siente de verdad el género humano. Me refiero al cine fantástico, refugio de unas libertades que no tienen otros tipos de cine.

En 1988 John Carpenter con Están Vivos se dispuso a estrenar lo que se podría considerar una gracieta (como son consideradas algunas de sus películas). Una película de alienígenas o zombies, otra más. El quid de la cuestión es que Carpenter se puso el mono de Ken Loach y queriendo (como persona inteligente social) realizó una impactante y acertada metáfora social. En realidad algo más allá que una metáfora, una visión de lo que debería ser la conciencia de clase norteamericana. Porque los “extraterrestres” tardan en aparecer. La práctica totalidad de la primera parte del film habla sobre las circunstancias terribles en las que viven la clase baja-media en Norteamérica. Bajo la excusa de la crisis (sí amigos, no sólo en estos tiempos hay crisis) las empresas fagocitan a sus trabajadores arrojándoles a la calle con nada. Eso si es puro realismo.

Pero la parte fantástica no se queda atrás. Los extraterrestres son invasores que llevan años ocultos entre nosotros. Son los ricos, los poderosos, la clase alta que nos dominan y nos duermen impidiéndonos rebelarnos contra la situación (de miseria) que nos hacen llevar. Y sólo podemos ver su verdadero rostro (decrepito y horroroso) con unas gafas de sol especiales. En realidad Carpenter dice que más allá de la película esos extraterrestres viven entre nosotros. Igual que en el film nos dominan, nos obligan a consumir, a ver (mala) televisión, a seguir dormidos... El claro problema es que no llevamos gafas para ver sus verdaderos rostros. O quizá que no queremos verlos. Que no nos interesa usar esas gafas imaginarias porque estamos mejor dormidos y subyugados. En resumen, todo un puñetazo carpenteriano a nuestra realidad.

Programa Vivir Rodando 26 Noviembre 09

2009-11-27T23:27:00.001+01:00

Hablar sobre la peculiar relación que han tenido y tienen el cine y los cómics es harto complicado. Pero como todo en la vida si estás bien acompañado todo es más fácil. Para este último programa de Vivir Rodando hicimos un viaje de media hora sobre el binomio fascinante que forman el cine y los cómics con la mejor compañía posible, nuestro superhéroe favorito, Fernando Miró. El profesor de la UMH y mente pensante del imprescindible programa ¿Qué puedo hacer? nos lleva por un programa de celuloide y viñetas donde aparecerán nombres como Alan Moore, Frank Miller o M.Night Shyamalan. Toda una aventura fascinante que te invito a escuchar.

Si quieres escuchar o descargar el programa pincha en:

. Programa Vivir Rodando 26 Noviembre 09 (Cine y Cómics)

Elige lo mejor de 2009 para el último programa de Vivir Rodando

2009-11-22T23:22:00.000+01:00

En la última noche del año todos decimos la misma cantinela: “que el próximo año sea mejor que el anterior”. La realidad es que al año siguiente haremos las mismas estupideces y cometeremos los mismos errores que hicimos el año al que despedimos. Y con el cine pasa lo mismo. La cantinela es: “ha sido un mal año de cine”. La realidad es que (como todos los años) hay extraordinarias, buenas y malas películas. Por eso desde Vivir Rodando os pedimos ayuda. Para el último programa del año (el 10 de diciembre) queremos saber cuales son las mejores películas que habéis visto. Es obvio que los tiempos son los que son y que es imposible ver muchas películas. Por se aceptan listas de cien, treinta, veinte o una película. Simplemente lo mejor, lo más diferente u original que hayáis visto en cine en 2009. Si os apetece participar enviar un mail a: vivirodando@gmail.com. Y si vuestro atrevimiento va a más y queréis participar en el programa, los micrófonos se abrirán para escuchar vuestra opinión.

Ayúdanos a repasar 2009 en el último programa del año de Vivir Rodando

Programa Vivir Rodando 12 Noviembre 09

2009-11-14T13:29:00.001+01:00

El hombre que mató a Liberty Valance habla sobre la creación de un falso mito. Jordi Costa intenta dar una visión realista de un mito hinchado, según él, como Alejandro Amenábar a través de su cómic Mis problemas con Amenábar. Miguel Carvajal habla de un mito que no merece discusión como John Ford. De eso hablamos en el último Vivir Rodando, de mitos y leyendas.

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. Programa Vivir Rodando 12 Noviembre 09

Programa Vivir Rodando 29 Octubre 09

2009-11-04T18:59:00.000+01:00

Esto es como una buena serie. Por mucho que empiece bien en sus dos primeras temporadas sabes que cuando se le juega es en la tercera. Donde se decide cual va a ser su lugar verdadero en la historia. Vivir Rodando vuelve a las ondas con su tercera temporada. Y como las novias lo hace con algo viejo y algo nuevo. ¿Algo viejo? Nos arropa el magistral director británico Alfred Hitchcock del cual conoceremos todas las claves de su cine gracias a Begoña Ivars (profesora de la UMH y de Ciudad de la Luz). ¿Algo nuevo? El genial proyecto cultural La Kuriosa que pretende ofrecer otra visión de la vida en la provincia de Alicante. Hablaremos con sus creadores Elizabeth Aribau y Daniel Dilar.

Para bien o para mal, Vivir Rodando ha vuelto.

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. Programa Vivir Rodando 29 Octubre 09

Cara a cara: El imaginario del Doctor Parnassus

2009-10-30T19:57:00.001+01:00

Cuentos que ya no nos cuentan, por Raúl Cornejo

El imaginario del Doctor Parnassus, es una película que cuenta con la aparición de Heath Ledger (en su última actuación), Colin Farrell, Jude Law y Johnny Depp. Con estos datos podriamos pensar que sería un film completamente vendible que se estrenaria en varias salas de España. Pero ojo, en la ficha también tenemos que mirar al director que es nada más y nada menos que Terry Gilliam. Ese dato hace que la película no se haya estrenado del todo mal para ser un Gilliam pero con ese tufillo molesto de pánico hacía la obra del ex Monty Python. Y hay algo que no se puede negar. El imaginario del Doctor Parnassus es puro Gilliam. Barroquismo, imaginación y ningún miedo a mostrar su mundo tal y como es. Es verdad que ese vivir al filo hace que El imaginario del Doctor Parnassus le cueste encontrar su tono personal e intransferible. Como si William luchará contra su película y el interés de hacer algo más accesible para que su película pueda ser estrenada. Pero en un momento concreto la película vuela sola con las alas de Terry Gilliam.

La aparición del Imaginario en el centro comercial con ese viaje al mundo de una mujer cuyo guía es Johnny Depp (a Gilliam se le ve el plumero y le da la mejor parte a su amiguito Johnny) hace que la película se encuentre a si misma. El cuento realmente se vuelve cuento y El imaginario del Doctor Parnassus toma toda la pasión y magia que necesita. A partir de ahí es un carrusel de imaginaciones, diablos (¿podría haber mejor Lucifer que Tom Waits?), héroes de mentira y apuestas con almas por en medio. Todo una gozada para quienes amamos el cine de ese loco personaje llamado Terry Gilliam. Si obviamos cierta irregularidad en su primera parte y miramos con los ojos de un niño al que le están contando un cuento (oscuro, como los buenos cuentos) tendremos el lujo de disfrutar de películas que, desgraciadamente, ni se hacen o, lo que es peor, ni mucho menos se estrenan.

. Lo mejor: La ensoñación con Johnny Depp como guía / .Lo peor: la marginación a la que parecen condenadas todas las películas de Gilliam

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Terry, ¿pero qué me estás contando?, por Ángeles Gómez

Tras el trágico acontecimiento del 22 de enero de 2008 es difícil valorar quién de los dos estaba en una situación más desoladora: Heath Ledger por morirse durante el rodaje de, entre otras, El imaginario del Doctor Parnassus, o Terry Gilliam por tener que calentarse la cabeza para suplir tamaña pérdida. La película comienza con una secuencia que es la trampa para que el espectador se trague que Ledger cambia de cara cada vez que entra en conexión mental con el viejo doctor. Los amigos de Gilliam han intentado sacarle del apuro, pero a este director más que el fondo le pierden las formas, y ahí se ha quedado. Este apaño se queda sólo en eso, en un chicle pegado a la rueda de una bicicleta, sin valor narrativo alguno, como muchas de las escenas minuciosamente diseñadas para que se sepa que es eso, una peli de Gilliam, pero sin tener claro qué cuento quiere contar y quién es exactamente el doctor Parnassus, un personaje tan débil como la historia y sus poco verosímiles subtramas.

Sus devotos encontrarán lo que buscan: la estética de siempre con una realización exquisita y una historia fantástica, pero llena de trampas y poco respaldada por las supuestas reglas del juego que a veces tímidamente nos invoca el director. Una chica de dieciséis años en la época actual cuya madre la concibió con sesenta años y que tenía veinte en la década de los treinta lo único que consigue es despistar y que el público pierda el respeto a Parnassus. Que por cierto, ¿qué quién es este tío?
-¡Ah! ¡Que es un monje!
-¿Y de qué orden?
- Y yo que sé… unos que van en alfombras voladoras… y luego se picó con un diablo y se pusieron a apostar…
-¡Ah! Vale.

Y aquí prácticamente termina la biografía del viejo acabado protagonista del cuento.

Mucha estética y tela rota, buenos actores, imaginación y kilométrico metraje es lo que se puede ver si no se si no se busca nada más.

.Lo mejor: su aspecto visual / .Lo peor: su confusión narrativa

* Ángeles Gómez es la creadora del programa "Y si no, nos enfadamos"

. El soñador en su crepúsculo (Jordi Costa, El País)

. Un truco de feria (Jesús Manuel Rubio, Las horas perdidas)

. Al otro lado del espejo (Antonio Weinrichter, ABC)

Joyas a reivindicar: Todo en un día. La adolescencia, una aventura pasajera

2009-10-24T16:59:00.001+02:00

El año pasado moría Robert Mulligan. No pasó nada. Hace unas semanas falleció J ohn Hughes. Y tampoco pasó nada. Los dos tuvieron carreras interesantísimas y, a su modo, fueron autores. En cambio sus perdidas se pasaron alto ya que en el mundo del cine existe cierta pedantería por la cual sólo interesan los nombres que salen en letras de oro en la historia del séptimo arte. Pues John Hughes hizo un cine completamente reconocible y se adentro con un gran acierto en la mente de los adolescentes norteamericanos. Jugando con las claves de la comedia adolescente realizó un acertado estudio de los triunfos y miedos del joven estadounidense. Aunque muchos apuntan a que su obra maestra es la intimista El club de los cinco yo siempre me quedaré con Todo en un día.

Todo en un día es sencilla. Vemos el día de pellas que se toma el protagonista, Ferris Bueller (excelente, como casi siempre ,Matthew Broderick) con su novia Sloane (Mia Sara) y su mejor amigo Cameron (Alan Ruck) en Nueva York. Junto a esta trama corre otra historia paralela, la odisea que emprenden el director del colegio Ed Rooney (Jeffrey Jones) y su hermana Jeanie (Jennifer Grey) para pillarle en su mentira. Ya tenemos comedia adolescente al canto. Y, si amigos, la tenemos porque es una comedia y no se avergüenza de ello ni uno lo hace de disfrutar con ella. Pero en el fondo, Todo en un día es perfecto análisis del comportamiento y la forma de ser del adolescente en Norteamericana. Ferris Bueller es simpático, sociable y popular pero también arrogante y manipulador. Fruto de unos padres “yuppies” que confunden el amor a su hijo con darle todo lo que quiere. Eso lo refleja el carácter de la hermana de Ferris, Jeanie, que sufre la marginación por parte de esos padres que consideran que sólo tienen un hijo que merezca la pena. Si eso no es el reflejo de un hogar desestructurado...

Pero la aventura de los tres protagonistas en la Gran Manzana no está exenta de miga. El objeto de la escapada de Ferris es disfrutar con sus amigos de un día ya que dentro de poco sus caminos se separaran por culpa de la universidad. Todo el film tiene un halo triste ya que la juventud es algo muy breve que se escapa día a día. Luego llegan las responsabilidades, los problemas, la madurez... La fiesta no es para siempre y, a veces, sólo puede durar un día. Como otro retrato durísimo es el de Cameron (que, en muchas ocasiones, le come el protagonismo a Ferris) , adolescente con mil y un traumas infantiles por haber nacido en un hogar donde el cariño sólo se le concede a lo material.

¿Por qué un día de pellas es justificado por Hughes? ¿Por la simple excusa de rodar una comedia? Hay algo más. El breve retrato que se hace de las clases en Norteamericana es demoledor (ríete tú del Laurent Cantet de La Clase o de la cuarta temporada de The Wire). Profesores sin motivación que no quieren dar clase, alumnos aburridos y directores de colegio sólo preocupados por su carrera. La huida es la única solución que les queda a los jóvenes. Y si se puede hacer en el principal símbolo del materialismo USA, un buen coche, mejor que mejor. Todo en un día sigue teniendo el mismo ritmo y diversión (perfecto colofón con la carrera de Ferris entre las casas de sus vecinos) que cuando se estrenó en 1986. Y sigue conservando esa acertada lectura sobre la adolescencia y que resume Ferris, “la vida pasa muy deprisa y te la puedes perder”.

La educación sentimental

2009-10-19T00:00:00.001+02:00

La NBA no es sólo la liga de baloncesto que se juega en Estados Unidos. Es algo más. Como el país, es la gente, los cotilleos, la música, las referencias culturales, los negocios...es un mundo singular y diferente. Andrés Montes lo entendió así. Por eso sus retransmisiones de madrugada no eran narraciones de baloncesto sino narraciones de vida. Encontró su perfecto partenaire en Antoni Daimiel por una razón: eran completamente diferentes. Eran inteligentes, cultos, entendidos pero con distintas formas de ser. La química entre ellos fue explosiva. Era genial ver un partido de míticos equipos como Phoenix Suns o Sacramento Kings (ellos pusieron el baloncesto y los campeonatos se lo llevaron otros)pero más genial era saber que tras esos comentarios estaba la pareja Montes / Daimiel. Porque ibas a ver baloncesto de nivel pero también sabias que ibas divertirse y aprender.

Montes trabajó en medios con diferentes planteamientos e ideologías ya sea COPE, Grupo Prisa (Canal Plus) o Antena 3 Radio dinamitando prejuicios absurdos. Sólo hay que ver las diferencias entre los periodistas que le han elogiado. El hacía lo que sabia intentando divertir y enseñar al personal alejado de estúpidas luchas empresariales. Por eso una generación en especial (la mía, la que creció con las retransmisiones de la NBA) le tiene que tener un cariño especial. Porque dinamitó la barrera y la distancia entre el periodista y el espectador. Creo un club especial dónde te sentías recogido y confortado, un lugar al que pertenecer. Si veías con atención esos momentos Montes/Daimiel sabias que estabas viendo algo histórico e irrepetible que había que disfrutar. Algo que iba a pertenecer a la educación sentimental de cada uno. Por eso Andrés Montes merece un eterno agradecimiento.

Space Oddity

2009-10-18T00:08:00.000+02:00

- Moon - (Duncan Jones, 2009)

No es extraño que la primera película del hijo de un artista como David Bowie, cuyo alter ego Ziggy Stardust presumía de venir del espacio, se sitúe en la luna. Haber crecido con los versos y marcianadas de Bowie seguro que han inspirado a Duncan Jones para crear este Moon. Aunque la verdad es que el debut de Jones en el cine da mucho más de lo que promete.Viendo el tráiler podemos intuir que estamos ante la típica película de ciencia ficción opresiva con toques psicológicos de andar por casa y una oportunidad de oro de lucirse para el actor protagonista. Afortunadamente, Moon es algo más.

Es una película que crece minuto a minuto con un argumento complejo pero ni mucho menos lioso y enrevesado. El film va creciendo y planteando cuestiones sobre el ser humano y su futuro en la tierra. En este caso la clonación es una excusa para hablar sobre los miedos, sentimientos y esperanzas que tenemos los seres humanos y de cómo el futuro y sus avances nos alejan de ellos. Porque Sam Bell (Sam Rockwell) nos representa a todos nosotros. A ese vestigio de humanidad que poco a poco va desapareciendo de nuestro mundo mientras la sociedad avanza.

Si a estas interesantes reflexiones le sumamos la elegante y nada brusca dirección de Jones, la soberbia música de Clint Mansell, la interpretación de Sam Rockwell, un ordenador más humano que los propios humanos y el ser una película que va de menos a más, se puede decir que Moon es una de las apuestas más atractivas que hay en la cartelera actual. Tan atractiva que se merecería que David Bowie le compusiera una oda espacial al film de su hijo.

Lo mejor: La música de Clint Mansell

Lo peor: Las veces (afortunadamente escasas) que utiliza la psicología de manual

. Gravedad cero (Javier Ocaña, El País)

. El lado oscuro de la luna (María José S. Mayo, El Confidencial)

. Ciencia-ficción a la antigua usanza (Carles Torrens, Cine 365)

Campanella o cómo hacer una "buena" película

2009-10-12T23:21:00.001+02:00

- El secreto de sus ojos - (Juan José Campanella, 2009)

Juan José Campanella dirgió hace unos un capítulo de House que consiguió ser el más visto de ese año. Un día, una habitación (así se llamaba el episodio) se alejaba de los típicas excesos de la serie planteando un interesante têt-a-têt entre House y una de sus pacientes. Gracias a éxitos como ese Campanella ha ido haciendo una carrera televisiva sólida en Estados Unidos logrando según reconocía en Fotogramas “ganar dinero para lograr hacer sus películas en Argentina”. En mi opinión el director logra algo más. Su experiencia como realizador en el primer pais del mundo le está dando la oportunidad de saber cómo realizar películas sólidas, interesantes y que, en resumen, “gusten”. Como le pasa a El secreto de sus ojos.

El secreto de sus ojos es un thriller, un drama, una comedia, una denuncia social... Campanella ha logrado hacer una larga y no pesada película en la cual cualquier espectador se siente reconfortado porque encuentra su historia. Para lograr esto se necesita tener mucho oficio y cerebro, lograr engarzar todos los géneros sin hacer una película ridícula. Está claro que Campanella ha aprendido en Estados Unidos a tener oficio y a saber realizar como lo haría un perfecto artesano. Sabiendo cuando ser sobrio o contenido o cuando se necesita darle un toque más artístico (como la espectacular secuencia en el partido de fútbol). Con un plantel de lujo (excepcionales todos destacando a Soledad Vilamil y Pablo Rago) la película nunca decae a pesar de que la trama es lo que es. A pesar de que el nudo criminal no es el más original del mundo y tiene algunas aristas, Campanella logra formar un producto sólido y creíble. Creando un drama más que una cinta de genero al uso.

Lo mejor que se puede decir de El secreto de sus ojos es que es ejemplar. En planteamiento y en ejecución. No se le escapa nada a Campanella y logra que nosotros estemos toda su larga duración atentos a la pantalla. Nunca cayendo el sentimentalismo barato ni rozando el cine negro cutre e incluso sabiendo superar los tópicos (que los tiene). Aunque sea ya un director con sus años de experiencia Campanella sigue aprendiendo a hacer cine. Que no es sólo grabar escenas con una cámara y luego montarlas en el estudio.

Lo mejor: Las breves pero intensas apariciones de Morales (Pablo Rago)

Lo peor: Las trampas que inevitablemente tiene la historia

. Una cierta mirada (Marcbranches, La linterna mágica)

. Sencillamente una obra maestra (Adrián Massanet, Blog de cine)

. La mirada de los otros (Ezequiel Boetti, Escribiendo cine)

Canto a la vida neoyorquina desde el pesimismo

2009-10-09T11:43:00.000+02:00

- Si la cosa funciona - (Woody Allen, 2009)

Estoy seguro que no soy el único que esbozó una sonrisa al saber que en el regreso de Woody Allen a sus raíces (Nueva York, la comedia...) iba a ir de la mano de Larry David. Si Allen fue una bocanada de aire fresco en su estilo cómico, David ha logrado revolucionar el humor norteamericano con esa obra maestra llamada Seinfeld (que creo junto al cómico Jerry Seinfeld). Woody Allen sabía que lo tenía difícil ya que no muchos confiaban en que volvería a ser el de siempre. Quizá por eso necesitaba ir de la mano con uno de los artífices de la mejor comedia estadounidense...aunque sólo fuera como actor.

Se podría sospechar que Si la cosa funciona es toda una exhibición de Larry David soltando frases las envenenadas que Allen le había escrito. En resumen, un doctor House pasado por el prisma del genio de Manhattan. Y durante la primera parte de la película así es como funciona la nueva película de Allen que muestra todas sus fobias y desconfianza hacia el ser humano. Pero estaba claro que Si la cosa funciona era otra cosa, el regreso de Woody Allen a su querida Nueva York. Esa ciudad que siempre ha sido un oasis de vida y cultura en la primera potencia del mundo. Por eso, Si la cosa funciona actúa como una pequeña carta de amor a la ciudad y al estilo de la vida de los neoyorquinos. No importa como haya sido tu vida antes, cual sea tu ideología o tus frustraciones, Nueva York te liberará. Por eso toda la segunda parte es menos Boris Yellnikoff (Larry David) y más Nueva York.

Y todos los bienes que te pueden producir Nueva York los centra Allen en lo mejor de película que es Evan Rachel Wood. Una sencilla pueblerina que acaba imbuida (como toda su familia comandada por la estupenda Patricia Clarkson) por el espíritu libre y bohemio de la ciudad norteamericana. El talentoso encanto de Rachel Wood (que no pierde en todo el film) hace que todo el tono amargo y pesimista que trata de trasladarnos el personaje de David acabe convirtiéndose en una llamada optimista a la libertad y a liberarnos de todos los prejuicios que nos rodean. Conseguir la felicidad a través de un pesimismo racional. Mediante bandazos, Allen logra transmitir toda esta filosofía y todo su amor por Nueva York.

Lo mejor: Evan Rachel Wood

Lo peor: A veces es demasiado irregular

. Regreso (por fin) a Nueva York (Quim Casas, Cine 365)

. De la amargura al optimismo (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

. Dejarse llevar (Sergio Roma, Cinebulosa)

Series de cine: The Wire. La vida es dura, chaval

2009-10-04T00:39:00.001+02:00

Cuando se realizan las típicas listas sobre las mejores series de la historia de la televisión aparecen nombres comunes como Los Soprano, Seinfeld o El Ala Oeste de la Casablanca. Y siempre en esas listas aparece una sombra, un titulo que muchos reclaman como “la mejor serie de la historia” pero que, en un principio, carece del glamour o la popularidad de otras. The Wire es sin duda la serie de culto por excelencia, marginada en los premios, ( sin una acogida masiva del público pero elevada a los altares, con justicia, por unos seguidores que sabían que con cada capítulo estaban viendo algo bueno, inteligente y profundo.

The Wire miente y engaña como lo suelen hacer sus personajes. En realidad toda ella es una serie sobre la mentira. Observando los primeros capítulos parece que estamos ante una serie policíaca sobria y efectiva que refleja la lucha contra la droga de los policías de Baltimore. Mentira a medias. The Wire es una serie social (¡2 nominaciones a los Emmy en cinco temporadas!)seguro que la cuarta temporada la hubiera gustado firmar Ken Loach) sobre el funcionamiento de una ciudad desde todos los puntos de vista posible. Es lógico que The Wire sea fruto de la mente de un periodista (David Simon), ya que sólo uno podía indagar sobre la situación de una comunidad. Y los resultados son escalofriantes. No importa el comportamiento de policías, camellos, periodistas, políticos...si una sociedad no funciona la culpa la tienen los estamentos de poder y su absurda burocracia implícita.

Si se metiera a The Wire en el genero policiaco seria uno completamente distinto. A David Simon le importan tanto los buenos como los malos. Los policías son seguidos con lupa como lo son los traficantes o camellos. No hay demagogia ni tópicos , un policía y un camello sufren y trabajan igual sólo que con un diferente código ético. Y los dos chocan con las injustas y absurdas decisiones de sus jefes que consiguen hacer que las ciudades tengan un funcionamiento lento, absurdo e injusto. Y Simon no se centra sólo en estos dos sectores. La educación (alumnos y profesores), los trabajadores, los periodistas, los políticos...son examinados con lupa y todos tienen el mismo final, el sinsentido de la burocracia y el poder crean una sociedad que atenta contra el sentido común. Los ciudadanos son la victima del poder.

Para lograr una radiografía tan exacta Simon teje un fascinante laberinto de personajes que cruzan sus vidas durante cinco temporadas. Omar Little, Stringer Bell (uno de los grandes villanos de la historia de las series), Jimmy McNulty, Chris Partlow, Cedric Daniels, Tommy Carcetti (para saber cómo es la política de verdad sólo hay que seguir a este gran personaje), Lester Freamon, Bunk Moreland... Imposible quedarse sólo con un personaje, cada uno de su padre y de su madre, juntos forman una ciudad condenada como es Baltimore. Porque The Wire hace algo tan difícil como mostrar la vida. Y no le importa que un supuesto protagonista no aparezca apenas toda una temporada o matar a un personaje carismático en mitad de otra. Porque así es la vida y The Wire la muestra tal y como es con un estilo sobrio y contundente. Y todos esos lugares que aparecen en la serie nos suenan. Porque Baltimore podría ser Alicante, Madrid, Nueva York, La Habana o Buenos Aires. The Wire son todas las ciudades en una. No sé si The Wire es mejor que Seinfeld o Los Soprano y no me importa. Quienes hayamos visto The Wire sabemos que somos afortunados. Porque disfrutarla y sufrirla es una de las mejores experiencias que se pueden tener viendo una pantalla de televisión. Una experiencia necesaria si quieres saber cómo funciona el mundo.

. Periodistas, maleantes y Baltimore (Javier Del Pino, El País)

. La última tragedia americana (Toni García, El País)

. Especial The Wire ( Fuera de Series)

Cretinos con permiso para escribir

2009-09-29T14:08:00.001+02:00

Antonio Burgos, supuesto escritor e imbécil oficial, insulta a dos niñas (da la casualidad que son las niñas de Zapatero), se lo publican y no pasa nada. ¿No es esto maltrato? ¿No vulnera los derechos de las niñas? Quizá al señor Burgos le gusten las niñas más monas...quién sabe para qué. Burgos, un terrorista que hace un daño terrible a la imagen de España.

Que las niñas de Zetaparo eran dos callos horrorosos lo sabían los más íntimos en La Moncloa, pero ahora se ha enterado España entera. Son de salir corriendo. Yo no sé si es porque iban vestidas de Jalogüín, o porque lucían el uniforme oficial de los góticos, pero tú te encuentras a las 12 de la noche con estas puñeteras niñas en una calle oscura, se te acercan, un poner, a preguntarte dónde para el autobús de Alcosa, y del salto que pegas del susto llegas corriendo a Carmona.

Góticas. Los lectores que me piden este artículo me aseguran que son góticas. Vamos, como la ojiva de San Julián, pero sin el recuerdo de Fernando Moreno sacando el palio de La Hiniesta. O como la propia imagen gótica de La Hiniesta (que está por cierto en el Ayuntamiento y que no sé cómo no han mandado ya retirarla por la cosa del Nacional Agnosticismo y de quitar los crucifijos). ¡Qué ofensa para el arte gótico, llamar góticos a estos adefesios con botas de la Brigada Paracaidista en Sidi Ifni y muñequeras de levantador de pesos de Galisport! Por el volumen de su bulto redondo, así achaparrado, más que góticas me parecen románicas, que como las vea Brigitte Bardot, va y las protege. Pero, vale, aceptamos gótica como animal pinnípedo. Yo les diría algo más fuerte, pero como son menores, me callo.

Vía- Escolar.net

¿Vomitivo no?

Insobornable amor por el cine

2009-09-23T12:48:00.001+02:00

- Malditos bastardos - (Quentin Tarantino, 2009)

Cualquier detractor acérrimo de Quentin Tarantino (que cada vez son menos) debería admirarle por una especial característica suya. Ama el cine. No me refiero a que le guste ver películas, Tarantino piensa en el séptimo arte como una forma de vida. Algo especial e importante que se merece toda la atención y cariño del mundo. Aunque parezca una contradicción muchos de los que trabajan en el negocio del cine (directores, actores, productores...) no les interesa muchísimo el cine. En cambio, Tarantino no sabría vivir sin él. Si todas sus películas son homenajes en si mismos a este arte, Malditos bastardos lo es más si cabe. Ser una película de nazis o de la Segunda Guerra Mundial es la superficie necesaria para, en realidad, hacer un film que implícitamente (a veces los planos parecen que rueden un spaguetti-western, otros simulan un drama intimista) o explícitamente (la parte final en el cine, ¡el celuloide salvará el mundo!) hablan del cine como la expresión más grande de la vida.

Y el espectador debe tomar esa pasión para ver Malditos bastardos, como si estuviéramos viendo el corto de un amigo nuestro apasionado del cine. Porque si no entramos en este juego cinéfilo puede ser que en su larga, que no pesada, duración salgamos varias veces del film. Una vez que (¡por fin!), vemos el gran proyecto mil veces frustrado de Tarantino nos queda la sensación de que debe tener poco que ver con el proyecto inicial del director. Lo más obvio es que una idea interesante como son los sanguinarios bastardos acaban difuminados durante toda la película. Curiosamente en el film Malditos bastardos lo que menos trabajado está son...¡los malditos bastardos! (a pesar de la fuerza que desprenden Brad Pitt, Eli Roth y Til Schweiger) Podemos imaginarnos al bueno de Quentin escribiendo el guión y viendo que mes a mes, año a año, Hans Landa (grandioso Christoph Waltz) o Shossana Dreyfuss (bellísima y fuerte Mélanie Laurent) iban creciendo y ganando importancia mientras que sus queridos bastardos se iban quedando sin sitio en su película.

También se nota el peso de los años en Tarantino. Aunque las claves de su cine siguen ahí en Malditos bastardos se le nota más reposado y tranquilo. Deja que las palabras fluyan sin importarle el tiempo que requiera en ello. Porque a pesar de que la gente acude en masa a ver el film de Tarantino se podría decir que Malditos bastardos es una película anticomercial. Tiene momentos de furia y violencia pero también reposo y tranquilidad. Pero sobre todo es una película hecha por alguien que ama el cine, sin prejuicios ni cortapisas. Sólo alguien asi puede hacer que un film de dos horas y media con momentos geniales, pero con aristas en su narración, pueda pasar en un suspiro. Tarantino no ha hecho la obra maestra que quería pero no importa. Malditos bastardos merece completamente la pena.

. Pastitx brillant (Quim Casas, El Periódico de Catalunya)

. ¡Hail, Tarantino! (Alicia, La linterna mágica)

. Revisionismo pop (Jordi Costa, El País)

Series de cine: Matrimonio con hijos. El fin del sueño americano

2009-09-18T12:51:00.000+02:00

Hay títulos que bajo su aparente sencillez esconden toda una declaración de intenciones. Matrimonio con hijos es precisamente lo que anuncia, una serie sobre un matrimonio con dos hijos. Aparentemente sencillo. La cuestión es, ¿desde cuando un matrimonio con hijos es algo sencillo? Estados Unidos es experta en crear series sobre estamentos familiares y rodearlo de tramas bastante simples y problemas absurdos. Enseñar a Estados Unidos como el hogar de las buenas y felices familias, un estamento seguro donde nunca te puede pasar nada. Obviamente la realidad brillaba por su ausencia.

Matrimonio con hijos fue vital para que la ficción televisiva se desarrollará y logrará ser un espacio para la valentía creativa. La serie creada por Michael G. Moye y Ron Leavitt mostraba el estamento familiar como el infierno, una tumba en vida para el padre de familia (Ed O'Neill) que bajo su diaria mediocridad lidiaba con una mujer vaga e inútil (Katey Sagal) y dos hijos idiotas (David Faustino y Christina Applegate ) La felicidad no estaba de puertas para adentro y todo lo que vendían los anuncios USA se antojaba como falso. Lo mejor de todo es que la serie tenia un tono completamente falso y paródico. Bajo su manto de comedia surrealista los norteamericanos se reían de si mismos. De su realidad y de lo que no se atreven a reconocer, la familia como instrumento opresor y cárcel eterna. Matrimonio con hijos ejerció un trabajo social vital porque antes que Barbara Bush dijera que “los Simpsons eran la cosa más idiota que había visto nunca en televisión” ya existían los Bundy.

Matrimonio con hijos sobrevivió muchísimos capítulos a pesar de la ausencia de premios y no tener un éxito masivo de audiencia. Los Bundy se convirtieron en una especie de héroes (sólo hay que ver las ovaciones que tenían todos los personajes cuando aparecían en escena) que hicieron el trabajo sucio que nadie quería hacer. Mostrar otro lado de la sociedad norteamericana, una parte sucia, oscura, desagradable...y muy divertida. La serie fue espejo para otros productos, desde obras legendarias de animación (Los Simpson) o brillantes remakes inconfesos (Infelices para siempre) y logró mover algo los cimientos de la buena (e hipócrita) moral norteamericana. El gobierno estadounidense debería plantearse darle una medalla a quienes pusieron en marcha Matrimonio con hijos. Gracias a ellos la sociedad norteamericana pudo verse a si mismos y reírse con ello.

Hasta aquí hemos llegado...o no

2009-09-15T13:02:00.001+02:00

Polonia o España. Así es la cosa. Aunque sea una duda que hace unos días nadie se lo hubiera esperado el partido pinta bien. Polonia ya ha hecho su trabajo y no tiene nada que perder y todo que ganar. Con lo cual España se encontrará con un equipo voluntarioso, no sobrado de talento y con un ambiente de baloncesto. En resumen tendrá que demostrar que es el actual campeón del mundo. Porque con una posible derrota, aparte de ser una fracaso, estaríamos fuera del Mundial de Turquía 2010 y tendríamos que jugarnos una plaza en una de esas fastidiosas rondas de clasificación (y a ver cuantos NBA irían). España llega mejor que hace unos días pero lejos de su verdadero nivel. Así llega:

Pau Gasol: En su peor campeonato se ve lo grande que es. Cuando España estuvo eliminada de verdad (Gran Bretaña y Lituania) apareció él. Su lesión ha sido clave en su rendimiento irregular y en el del equipo. Irá a más porque así son los mitos.

Rudy Fernández: Quizá el mejor. Está siendo el Navarro de este campeonato sólo que más físico. También las lesiones han fastidiado lo que podía haber sido su europeo...pero todavía hay tiempo. Debe mejorar sus ataques de ira.

Ricky Rubio: Su rendimiento ha provocado las iras de alguna gente que le comienzan a coger una manía absurda e injusta. Tiene clase para dar y tomar como demostró ante Lituania. El problema es que el juego estático y el tiro no le está funcionando. Pero cuando sale el verdadero Rubio...es una maravilla

Juan Carlos Navarro: Desconocido. Se vieron destellos de lo que es contra Lituania. Se nota que físicamente no está y ese es el problema. Pero la confianza en Navarra debe ser ciega siempre.

Victor Claver: Cuando ha salido lo ha hecho muy bien...pero es que apenas no ha salido. Scariolo no quiere jugar con un 3 alto y eso le ha condenado.

Felipe Reyes: Siempre Felipe. Este ha sido su año (individual) en ACB y se nota que está en plena forma. Sólo bajo el pistón cuando los demás lo subieron contra los lituanos. Lecciones de pundonor en cada partido.

Carlos Cabezas: Imposible juzgarlo cuando no disputa apenas minutos. Scariolo cree en Raúl como segundo base...quizá de manera injusta. Debe jugar más

Raúl López: El segundo base para Scariolo. Nadie duda que es un genio pero se le ota poco fino en este Europeo. Debería compartir más minutos con Cabezas

Sergio Llull: Irreprochable su participación. Se deja la piel en cada partido y está más acertado de lo que parece. Una futura estrella. Le hicieron falta en ese intento de mate contra Turquía.

Marc Gasol: Desconocido. Contra Lituania sólo mostró un poco de lo que es capaz. Se le escapan los rebotes, no coge bien la posición...con sólo un 70% de su capacidad debe dominar este campeonato en la pintura.

Alex Mumbrú: Aunque Scariolo no quiere jugar con un 3 alto está utilizando algó más a Mumbrú. Desacertado y no encontrando su sitio.

Jorge Garbajosa: Su buen partido contra Lituania no debe evitar ver que Garbajosa no está entrando en la selección. Tiros de tres absurdos y lentísimo en sus acciones. Debe reducir sus minutos.

Joyas a reivindicar: Starshipt Troopers. ¿Inteligencia? militar

2009-09-14T11:24:00.000+02:00

Sin duda una de las personas a las que se les podría adjudicar la frase, ir al grano en esto del cine es Paul Verhoeven. Para el director holandés en sus películas, la violencia es violencia, el sexo es sexo...sin darle toques artísticos, ni querer ser un tipo cool o moderno. Por eso los detractores de Verhoeven utilizan términos como director cutre, tramposo o vulgar. Pero los hay que vemos que sus films van más allá de lo que se muestra en pantalla. Su lenguaje visual directo, sin tonterías, ni chorradas ocultan personajes e historias duras y complejas. Un caso evidente es una maravilla como Starship Troopers.

La película fue vendida como un asalto más a la taquilla estadounidense por parte de Verhoeven como lo había sido Instinto básico. Pero de nuevo el holandés estaba siendo más inteligente que todos. Si la película que puso de moda el cruce de piernas de Sharon Stone era una fabulosa y adictiva farsa a través de un thriller erótico, Starship Troopers no se quedaba atrás. El film parecía hacer la típica carrera de un film revientaquillas, éxito de publico y palos de la critica que sólo alababan sus (apabullantes) efectos especiales. Y lo más significativa, algunos críticos la tachaban de fascista. Aunque parezca lo contrario, con esta reacción Verhoeven lo había logrado.

Porque para ser critico o irónico lo mejor es mostrar a lo que quieres criticar en su máximo esplendor...o idiotez. Starship Troopers es todo un asalto contra el fascismo trasnochado que muestran algunos paises o superpotencias a traves de sus aparatos militares. Para ello se rodea de elementos como un megapatriotismo absurdo o tramas entre los personajes cercanas al nivel intelectual de Melrose Place. Todo está estudiado para el resultado final, mostrar el absurdo de los aparatos militares, las guerras preventivas u invasiones varias. El casting también es clave. Olvidémonos del talento interpretativo, Verhoven se rodea de tipos duros (el inefable Michael Ironside), malos actores guapitos (Casper Van Dien) y cuerpos esculturales (Denise Richards), que colaboran a hacer más demoledora esta farsa militar.

Dicen que la ciencia ficción es tan grande porque en realidad refleja los problemas que tenemos en la actualidad. Paul Verhoeven lo hace, riéndose de todo y de todos. Engañándonos y metiéndonos en una historia que parece una película de bichos, naves espaciales y efectos especiales que, en realidad, es una patada en la cara de los salvadores de la patria que hay en todo los lugares del mundo. Siempre que he visto fotos de Paul Verhoeven se está riendo. Es lo que tienen los tipos listos que saben reirse del mundo, mientras les saca unos buenos billetes.

Un Tokio gélido

2009-09-09T23:33:00.001+02:00

- Mapa de los sonidos de Tokio - (Isabel Coixet, 2009)

Seguro que más de uno utilizará ese, a veces fastidioso, termino para calificar algunas películas. El famoso: es una película lenta. En mi opinión, a Mapa de los sonidos de Tokio le pasa al revés. Es un film demasiado rápido. No hay que criticar lo inverosímil de la propuesta ya que muchas obras maestras del séptimo arte tienen argumentos increíbles. Ni siquiera algunas utilizaciones sospechosas como el empleo de la música de Antony and the Johnsons al final de la película (pocas veces un gran grupo sobró tanto). El problema es que alguien con talento como Isabel Coixet da la impresión que no se cree lo que está rodando y lo hace a prisa y corriendo.

Muchas de las partes de Mapa de los sonidos de Tokio están mal explicadas o con la misma sutilidad de una bomba atómica. La escena de la (supuesta) seducción de Sergi López a Rinko Kikuchi en la tienda de vinos está resuelta de manera cutre y apresurada, lo mismo que el supuesto conductor de la historia (Min Takana) , el grabador de sonidos de Tokio, al que parece importarle un pimiento a Coixet... Y así va transcurriendo la película, a retazos, a trozos de película mal montada en un Tokio frío y sin interés.

Mapa de los sonidos de Tokio tiene momentos donde parece que la historia va a despegar. Ocurre con el primer encuentro sexual entre los dos protagonistas cuando se intuye que la película comienza a arrancar y a encontrar su lugar, desgraciadamente es un espejismo ya que la película ni siquiera logra ser esa tórrida historia que se vende en algunos sitios. Mapa de los sonidos de Tokio parece la oportunidad perdida de una buena directora que cuando busca la sencillez acierta de pleno como pasaba con Mi vida sin mí. El film también nos deja una buena interpretación de Rinko Kikuchi que supera los problemas de su imposible personaje y que supera con creces a su partenaire, un despistado Sergi López.

. El mapa de Coixet (Oti Rodríguez Marchante, Una de piratas)

. Mapa de los tópicos emocionales de Tokio (Eulàlia Iglesias, Cine 365)

. Geografía humana con sabor asiático (Sergio Roma, Cinebulosa)

Interpretaciones de cine: Samantha Morton (Acordes y desacuerdos). Woody Allen sin palabras

2009-09-03T23:18:00.000+02:00

Acordes y desacuerdos, es una maravilla infravalorada de Woody Allen. Es más, es la última gran película antes de rodar Granujas de medio pelo y comenzar una época extraña en su filmografía. Acordes y desacuerdos, tenia grandes nombres o géneros: Woody Allen, Sean Penn, la sombra de Django Reinhartd, jazz... pero entre todo ese maremagnum de grandes nombres destacaba una pequeña actriz que sin pinta de comerse al mundo lograba con su interpretación hacer de Acordes y desacuerdos una película especial. Y todo sin decir ni una palabra. A la Hattie que crea Samantha Morton no le hace falta decir si está sufriendo o riendo, sus ojos, su cara y sus gestos lo dicen todo.

Samantha Morton crea un personaje que parece salido de un corto de El gordo y el flaco, o una comedia de los años 30. Frágil, flaca, ágil, muda...y sufridora. Se enamora del héroe de la película, el impresentable, egoísta y genial Emett Ray que borda Sean Penn. Aguanta putaditas y humillaciones del genio siempre con una mezcla de estoicismo y estilo. La actuación de Morton es un maravilloso anacronismo en si mismo. Una interpretación propia de una película de cine mudo en blanco y negro en un film que se rodaba a finales del siglo XX. Si en las películas allenianas los actores buscan el dialogo para lucirse, Samantha Morton utiliza el cuerpo para reflejar sus sentimientos, sus dudas y su dolor. Allen crea un personaje adorable y distinto, y Morton (nunca mejor dicho) le da forma .Una actuación tan agridulce como perfecta.

Como le sucede a Emmet Ray, los espectadores, la Academia de Hollywood (nominada a la mejor actriz de reparto), Allen... todos nos rendimos a Hattie. Y al final ella nos demuestra que es la que domina la situación y sale ganadora. Si deja a Emmet. con dos palmos de narices al resto nos deja con tres. Porque ella, es la gran ganadora de Acordes y desacuerdos. Un papel escrito a medida de una actriz impresionante que se luce. Si Charles Chaplin hubiera coincido con ella le habría hecho un contrato en exclusiva. Aunque no sabemos cuanto pagaría porque las expresiones de su cara en Acordes y desacuerdos no tienen precio.

Naturaleza (humana) salvaje

2009-08-29T00:10:00.000+02:00

- Anticristo - (Lars Von Trier, 2009)

Ya esta aquí otra vez. Vuelve la bestia para provocar y dividir a todo el mundo al que le gusté un poco el séptimo arte. Pero en esta ocasión podría parecer que nos encontramos con un Lars Von Trier algo distinto. Al principio de Anticristo vemos que la mirada del maestro danés se centra en la miseria de un matrimonio en descomposición. Su interesante inicio nos muestra a un juego entre una pareja, sumida en el dolor tras la muerte de su hijo, donde él actúa de posible salvador y ella de una mujer cercana a la depresión. Aquí el trío que conforman Lars Von Trier, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe están soberbios cada uno en su trabajo, el director poniendo toda la intensidad necesaria en la dirección y los actores magníficos, ajustados y a la altura de lo que requiere todo un Von Trier. Pero para el director de Dogville, Anticristo es algo más. Un thriller demoníaco.

Lars Von Trier coge a sus cobayas y los traslada al corazón de un oscuro y poderoso bosque. El juego entre Dafoe y Gainsbourg sigue (con más intensidad si cabe) pero ahora interactuando con la naturaleza y, especialmente, con las fuerzas oscuras que las comandan. Von Trier sigue siendo un genio en crear atmósferas insanas y Anticristo tiene escenas de una cruda y diabólica belleza (la escena sexo en el árbol, la búsqueda por parte de Gainsbourg de esos gritos que salen de la nada...). El único problema es que Anticristo suena a eficiente provocación pero sin la brillantez que tenían Rompiendo las olas o Bailar en la oscuridad. Imágenes de gran factura pero que, a veces, adolecen de cierto sentido narrativo. Anticristo es salvaje como es la naturaleza demoníaca que controla y domina a Charlotte Gainsbourg y tiene esa característica sádica tan propia (y genial) de Von Trier como se muestra en esa impactante muestra de ultraviolencia final.

Guste más o menos, Anticristo tiene una razón de ser. La brutal muestra de talento de Charlotte Gainsbourg (mejor actriz en el pasado Festival de Cannes). Esta película es la confirmación del poderoso talento que tiene la francesa que es capaz de llevar un personaje extremo como esta mujer en los límites de la locura u otro papel en una película comica o más liviana. Si Dafoe está genial lo de Gainsbourg es de otra liga. Ella sobresale en este festival provocador e irregular de Lars Von Trier.

. Bajada a los infiernos de Lars Von Trier (Julio R. Chico, La mirada de Ulises)

. En un principio, fue el mal... (Jordi Costa, El País)

. El Edén reconquistado (Diego Salgado, Miradas de cine)

Revelaciones de cine: Sydney Tamiia Poitier (Death Proof). Piernas para esto os quiero

2009-08-24T16:49:00.001+02:00

A pesar de ser un director tan extremo se puede decir que todos los films de Quentin Tarantino (a la espera de Malditos bastardos) han recibido un unánime aplauso. Pero si hubo una obra tarantiniana que fue recibida con ciertas reticencias fue ese experimento de cine de serie B que era Death Proof. Este film completamente libre no a todo el mundo le hizo gracia. Pero si hay una cosa que, objetivamente, debe despertar admiración es la aparición de Sydney Tamiia Poitier en Death Proof.

Si todas las mujeres tarantinianas que se asoman por Death Proof son dignas de mención (Rosario Dawson, Zoey Bell, Vanessa Ferlito...) Poter se lleva toda las miradas. La interpretación de Sydney Tamiia Poitier va más allá de cualquier método interpretativo, lo suyo es una cuestión de magnetismo físico. Por eso Tarantino (un especialista en hacer grandes inicios de películas) le concede la responsabilidad de que ella nos conduzca por el principio de Death Proof. O mejor dicho a sus piernas.

Absolutamente kilométricas, gigantes y fascinantes, sostienen a todo un personaje chulesco y orgulloso de haberse conocido. Uno puede imaginarse con quince años viendo Death Proof en una doble sesión de serie B, y entre trago y trago de una Coca-Cola bien fría se queda prendado del poderío y arrogancia que muestra Sydney Tamiia Poitier en pantalla. Una de esas mujeres que huelen a peligro desde la distancia pero de la que no te puedes alejar. Si su padre Sidney Poiter era el orgullo negro ella no se queda atrás porque lo lleva en los genes. En los pocos minutos que está en pantalla se nota que ha venido a dominar a todo el mundo. Sin concesiones. Después de esa hipotética visión, uno se iría a comprar un póster gigante de Sydney Tamiia Poitier en Death Proof . Aunque habría un problema. Encontrar una pared donde cupieran las eternas piernas de Sydney Tamiia Poitier.

John Dillinger y Michael Mann, dos almas románticas

2009-08-19T19:22:00.002+02:00

- Enemigos públicos - (Michael Mann, 2009)

En un momento de Enemigos públicos, John Dillinger se ve acosado por el paso del tiempo. Robar bancos está pasando de moda y toca practicar otro tipo de delincuencia igual de sucia, utilizando un despacho y un teléfono para actividades ilegales (en ese caso apuestas). Aún asi Dillinger seguirá con su clásico robo a mano armada. Por otra parte podemos observar que la escena grande de Collateral transcurre en una discoteca posmoderna (legendaria escena del tiroteo) o que Corrupción en Miami ocurre en la nocturna y decadente ciudad de Florida. Con esos antecedentes Michael Mann no parecía el director más idóneo para dirigir un regreso al cine negro de los años 30. Pero Mann como Dillinger es un romántico en lo suyo. Aunque sean otros tiempos u otras formas permanecen fieles a su forma de pensar y actuar.

Michael Mann no vacila al rodar Enemigos públicos. Tenemos su pulso nervioso, su cámara al hombro y sus primerísimos primeros planos para contar la historia de John Dilinger (todos sabíamos que el personaje de Bale iba a ser una especie de florero). Parece que en Enemigos públicos, Mann ha encontrado la película perfecta para volver a ser él mismo. Como Dillinger. él es un fuera de la ley, un hombre de Hollywood que hace películas aparentemente comerciales con megaestrellas (Tom Cruise, Jamie Foxx, Will Smith…) pero intentando dejar su huella. Y en Enemigos públicos la deja porque toda ella tiene un clima extraño y decadente. Hay violencia y acción pero la cámara de Mann siempre va a por los personajes para saber cómo sienten. Entre ellos destaca un poderoso Johnny Deep que vuelva a demostrar que por mucho que se le haya tachado de extravagante en realidad tiene la fuerza de un actor clásico.

No es casualidad que dos de las mejores escenas del film se produzcan en un cine. Enemigos públicos huele a cine puro. A una película que podría llegar a ser un clásico del séptimo arte moderno.

. Una estrella del crimen (Javier Ocaña, El País)

. Demasiado bella, demasiado simple (Jesús León, Blog de cine)

. Clásicos digitales (Jesús Manuel Rubio, Las horas perdidas)

Música de cine: 24 hour party people. De fiesta en Madchester

2009-08-17T21:14:00.000+02:00

Cuando estas en Manchester no parece ser una ciudad que tenga nada especial. Una localidad inglesa que no parece ni bonita ni fea, no inspira ni frío ni calor. Pero, como pasa con todo, si paseamos con los ojos abiertos podemos encontrar historias apasionantes donde parece no haberlas. Hay en Manchester un edificio llamado Affleck's Palace que en realidad es un compendio de tiendas con productos no muy caros (discos, ropa...) Como si fuera una iglesia tiene unas vitrinas que recogen mediante unos dibujos a personajes importantes de la ciudad, uno de ellos esconde una historia apasionante de Manchester, Tony Wilson. Wilson, fundador del sello musical Factory Records, periodista, estrella televisiva..., fue uno de los artífices de uno de los movimientos musicales más importantes europeos en los años 80 y 90 llamado Madchester. Por la ciudad inglesa pasaron grupos como Happy Mondays, Joy Division, The Smiths... marcando un hito en la historia de la música. Y todo esta historia merecía un hueco en el cine con el mejor narrador posible Michael Winterbottom que se saco de la manga 24 hour party people.

En Manchester fueron años de nervio, movimiento, música y baile. Por eso Winterbottom optó por alejarse de la narración pura y dura e inventarse una película que es una especie de falso documental narrado por el propio Tony Wilson (soberbio Steve Coogan). En 24 hour party people podemos ver el frenesí de esos años donde se logró mezclar la belleza de las letras pop con la locura de las pistas de baile. El lugar donde convivieron genios absolutos como Ian Curtis o Shaun Ryder. Todo Manchester fue un ciclón de música, velocidad y drogas. No se puede saber si 24 hour party people es una comedia o es un drama. Va demasiado deprisa para que nos demos cuenta. Pero lo que si sabemos es que es film que destila amor por la música por los cuatros costados, el mismo amor que tiene Tony Wilson. Y no se ve porque aparezcan más o menos canciones. Se siente por la importancia que da Winterbottom a la música. Sólo hay que ver como se reverencia las figuras de Curtis y Ryder por encima de sus problemas uy vicios personales. Genios antes que nada. Como narra el cambio vital que produce esa música en la ciudad que saca a la gente a las pistas de baile (mítico club The Haçienda). Y, especialmente, habla de esa figura que es Tony Wilson cuya vida es música. No importa qué tiene que hacer o cuanto dinero debe gastar. La música mueve todo su mundo, es imposible no contagiarte de su espíritu suicida.

24 hour party people es tan vibrante como esos años que se vivieron en Manchester. No va de cine es una canción en si misma. Y parece escrita por el mismo Shaun Ryder. Con su mismo talento, su idéntica pasión por la diversión y el exceso. 24 hour party people es la canción que deberían poner en todas las discotecas para recordar lo grande y divertida que puede ser la música. ¡Hallelujah!

Joyas a reivindicar: Jóvenes prodigiosos. Genios inadaptados

2009-08-14T11:48:00.000+02:00

Así es el cine y la vida. Curtis Hanson paso de ser un buen artesano a un maestro en poco tiempo. La adaptación al cine de la novela de James Ellroy, L.A. Confidential, le dio (merecidamente) un sitio entre los grandes. Y no sólo por su éxito sino por el respeto que infundió a todo el mundo por la manera tan soberbia de realizar una película de cine negro tan clásica como moderna. Y después de la tormenta llega la calma. La siguiente película de Curtis Hanson marcaría ante quien estábamos y qué podíamos esperar de él. Y , para algunos, la experiencia fue más que satisfactoria. Volvía a confiar su suerte en adaptar otra novela de un moderno novelista genial como es Michael Chabon. El reto se llamaba Wonder Boys. Pero esta vez tenía un material delicado, una especie de drama con toques cómicos lleno de personajes extravagantes y en el filo. Fuera gangsters, policías y violencia y dentro personajes perdidos y, a veces, indescifrables.

Jóvenes prodigiosos es una de esas joyas que pasan por la cartelera sin hacer ruido. No fracasan, tienen buenas criticas y cazan alguna nominación a grandes premios. Pero no se les da el suficiente valor que se merecen y se pierden en la historia. La película de Hanson huele a oportunidades perdidas, a personajes que conviven con su fracaso diariamente como es ese Grady Tripp que interpreta magistralmente Michael Douglas (su mejor papel, por encima del Gordon Geckko de Wall Street). Alguien cuya crisis de creatividad pasa precisamente por no saber finalizar una novela sin sentido con cientos y cientos de paginas. Mientras que su anterior libro pasa por un clásico moderno, él no sabe como finalizar el siguiente, ¿Hanson se hacia una autometáfora con su L.A. Confindential? Él es el motor de una película que tiene un merito esencial, ser distinto a buena parte del cine USA que nos llega. No tener miedo en narrar (con el eficaz trabajo de Hanson en la dirección) todo el periplo surrealista que lleva a Tripp a tocar fondo. La muerte de un perro, el robo de la chaqueta que pertenecía a Marilyn Monroe, lios con amante y esposa... todos esos “problemas” lo único que nos traslada es a la rotura del sueño americano. Un genio frustrado sin rumbo en su vida que sólo puede vivir de un éxito en su vida, su primera novela.

También es clave la interacción de su personaje con el James Leer que hace un genial Tobey Maguire. Joven mentiroso, extraño y genial, tanto como lo es el personaje de Tripp. Y los dos completamente perdidos. Jóvenes prodigiosos habla del fracaso pero se aleja de visiones depresivas y realistas que podía hacer cualquier otro director. Ni Hanson ni su guionista (el gran Steve Kloves) son tontos y se apoyan en el personal mundo de Chabon para retratar la tortura que puede ser tener todo el talento del mundo sumado a la confusión que nos aporta una sociedad caótica (y ni la marihuana puede evadirte de él como intenta) Y lo hace de una manera elegante, ágil y, a veces, divertida. Jóvenes prodigiosos es una joya rara, distinta y tan genial como los personajes que en ella habitan. Se merece una reverencia como la que hace Tobey Maguire al final del film. Bravísimo, señor Hanson.

Invencible romanticismo

2009-08-12T19:16:00.002+02:00

Rubber Soul era una tienda donde a poco precio podías alquilar toda la música que quisieras. Allí iba yo todos los fines de semana a descubrir nuevos mundos musicales. Hasta que el mundo actual le supero y tuvieron que cerrar. Internet les gano la partida. En su despedida vendieron a precio de saldo todos los discos que tenían. Y allí compré por 3 euros, Una semana en el motor de un autobús de Los Planetas. Estaba claro que era un proyecto con un alto contenido romántico. Sólo hay que ver que sigue en pie. Ya no alquilan, ya no hay música....pero sigue. En el mismo sitio, con su cartel. Cerrado pero está ahí. El mundo cambia pero Rubber Soul está en pie.

Series de cine: The Big Bang Theory. Geeks contra el mundo real

2009-08-08T18:11:00.001+02:00

Hay unos detalles que en un principio puede provocar que uno se eche para atrás para comenzar la visión de The Big Bang Theory. Uno de los creadores, Chuck Lorre, está detrás de una de las más horribles sitcoms que se han realizado en los últimos años, me refiero a Dos hombres y medio. Otro apunte sería que el argumento podría ser tan interesante como peligroso. La serie podía caer en el error de convertirse en una sucesión de chistes fáciles y parodias absurdas sobre los, a veces mal llamados, geeks o freaks. Vamos, ser una especie de La revolución de los novatos en versión serie.

Todos esos miedos se van desde la visión del primer capítulo. Una vez superado un cierto corte juvenil, The Big Bang Theory se presenta como una sitcom fresca, con ritmo y mucha, mucha inteligencia. Su principal mérito está en haber creado unos personajes que crean adicción. A veces inteligentes y otras insufribles, son hechos con una capacidad para transmitir ternura a través de un cierto patetismo que transmiten sus vidas llenas de ecuaciones y teoremas. Entre todos ellos destaca, como no, el ya mítico personaje de Sheldon Cooper (Jim Parsons). Grandioso genio, ególatra insoportable y autista emocional. Creado para quedarse como una leyenda dentro de la sitcom norteamericana es interpretado con tanta inteligencia como su personaje por Jim Parsons que jamás cae en la sobreactuación o la parodia fácil.

Pero un personaje mítico necesita siempre estar bien acompañado. Leonard Hofstadter (Johnny Galecki), el protagonista argumental de la serie y el único con los pies en el suelo que asume cierto patetismo en su vida. Culminado con dos buenos contrapuntos cómicos como son Howard Wolowitz (Simon Helberg) (los duelos con su madre invisible y dictadora son épicos) y Rajesh Koothrappali (Kunal Nayyar), el perfecto contrapunto exótico. El remate de estos personajes es explosivo...nunca mejor dicho. Penny (Kaley Cuoco)..., una mujer diez que acerca a la cruda realidad a este grupo de geniales mentes.

The Big Bang Theory no aspira a ser una sitcom de grado superior como Seinfeld o The Office. Sus argumentos no son lo más novedoso del mundo no saliéndose del guión de la comedia de situación pura y dura. Pero sí lo son sus personajes que tienen que vivir permanentemente en dos dimensiones: la de su realidad, con términos como Halo (según Sheldon un juego que proporciona más placer que el sexo) , Einstein, Teoría del Big Bang, Star Trek, Tolkien, Klingon... y la realidad “de verdad”, donde conviven el la decepción, el fracaso amoroso, la incapacidad de mantener relaciones sociales, la falta de sexo... Entre risa y risa, The Big Bang Theory plantea que la supervivencia en este mundo es dura. Por mucho coeficiente intelectual que tengas la vida siempre te supera.

La aventura interior

2009-08-05T17:16:00.000+02:00

- Up - (Peter Docter y Bob Peterson, 2009)

Viendo Up parece obvio que les gustó la experiencia anterior con Wall.E. Con la película de Pete Docter y Bob Peterson, la compañía vuelve a intentar una operación arriesgada. Transmitir la emoción más pura a través de las poderosas imágenes Pixar. Y, obviamente, lo consiguen sin despeinarse. Aunque Up tiene una parte de aventuras, con ese Charles Muntz que parece un Capitán Nemo verneniano en versión terrenal, lo grande de la película es la calma (como pasaba en Wall.E) con la que la historia fluye. No es extraño que la historia la protagonice un anciano, porque Up va de sentarse en una butaca y paladear sensaciones y colores.

Up utiliza los argumentos de realizar los sueños que nunca hacemos, esos viajes que se nos olvida o no nos atrevemos a realizar. Ya sea a Sudamérica, Paris o Madrid. Pero también habla sobre la esencia de la felicidad. A veces los objetivos que tenemos en la vida cambian y la felicidad la tenemos más cerca de lo que creemos. La cotidianeidad puede ser una especia de nueva aventura interior. Y por eso es tan grande Pixar. Tener un maravilloso icono como esa casa voladora con miles de globos en su chimenea no es lo más importante. Lo esencial es porqué Carl Fredricksen viaja en esa casa. La aventura, la trama sólo es una apunte, lo importante son los sentimientos. Y más en este Up, que es la aventura más sentimental de todas las de Pixar.

Aunque Up, en mi opinión, se sitúa un escalón por debajo de la emoción de Wall.E y dos de la perfecta conjunción de elementos (guión, realización...) de Ratatouille supone otro paso mas de la Pixar hacia el cielo cinematográfico. Ya no piensan en hacer películas para niños o adultos. Hacen SUS películas, la gente acude a ver Pixar tengan la edad de Carl o Russell.Ellos son los reyes del mundo. Como rey es un Michael Giacchino que poco a poco sube escalones en el Olimpo de los grandes compositores contemporáneos.

. "Up", vaya tela con Pixar (Tellez, Buenos días, buenas tardes y buenas noches)

. Gracias "Up": esto no es cine, es magia (David Cacho, Grupo Salvaje)

. Up: Pixar sigue en lo más alto (Holden Caulfield, La última película)

¿La justicia? Depende del día

2009-08-04T00:06:00.000+02:00

Reacción de Francisco Camps ante la publicación del auto del Tribunal Superior de Justicia de Valencia (TSJV) que le ha exculpado del caso Gürtel por cohecho: “mi máximo respeto por la decisión”. Antes el señor Camps no respetaba el trabajo judicial en la investigación del caso Gürtel.

Resumen, la justicia está bien cuando nos beneficia. Gran ejemplo de un mandatario. Otro día, Canal 9.

De vacaciones infernales con Sam Raimi

2009-08-02T11:46:00.000+02:00

- Arrástrame al infierno - (Sam Raimi, 2009)

Es de una lógica aplastante la existencia de Arrástrame al infierno en estos momentos. Imbuido por completo en el mainstream arácnido, Sam Raimi necesitaba tomarse unas vacaciones. No coge sombrero ni sombrilla sino monstruos y demonios. Si Raimi logró imbuir de elasticidad y movimiento las dos primeras películas de Spider-Man en la tercera comenzaban a notarse síntomas de cansancio. Raimi dejaba de ser Raimi a marchas forzadas. Y, para rematar la faena, Spider-Man 4 ondeaba en el horizonte. Por eso necesitaba en descanso estival volviendo a las posesiones infernales que le dieron un nombre en medio mundo.

Arrástrame al infierno se olvida de la moda del terror psicológico que, algunas veces, es más un engañabobos que una experiencia terrorífica. Aquí hay demonios, brujas, infiernos, desesperación...en definitiva terror. Puede ser que uno esté cada vez más preparado para estas cosas pero es sanísimo encontrarse con una vigorosa película que busca el miedo directo. Sin trampas ni dobleces, un monstruo es un monstruo y una bruja es una bruja. Y tienen que dar miedo, y la protagonista debe sufrir, gritar y chillar. Todo eso aderezado con la cámara elástica de Sam Raimi (fabulosos momentos como la pelea en el coche o la parte final en el cementerio) olvidando cuitas argumentales (todos sabemos lo que hay en el maldito sobre). Se nota lo mucho que ha disfrutado el director de volver al principio.

Arrástrame al infierno es hora y media de ese terror que algunos directores ya no quieren hacer. O bien porque reniegan o se avergüenzan. Para volver a ello Raimi se ha ido, como debe ser, directamente al infierno para goce de todos nosotros. Pero esas vacaciones infernales se le han acabado. Ahora a preparar Spider-Man 4 con la mirada de los productores de Hollywood en su nuca ante cualquier error. ¿Dónde está el infierno Sam?

. Maldiciendo a la banca (Jordi Costa, El País)

. Arrástrame al infierno, o ¿quién teme a la hipoteca feroz? (Sergi Sánchez, Canal TCM)

. Ola de sustos (Beatriz Martínez, Miradas de cine)

Futuro de cine: Macarena Gómez. Nuestra extraterrestre favorita

2009-07-31T11:20:00.000+02:00

Queda muy bien decir que en el cine gustan los actores sobrios, que no sobreactuan y que logran transmitir cantidad de sentimientos y sensaciones con mínimos gestos. Aunque es verdad hay que decir que hay otro tipo que también lo son. Los “especiales”. Una serie de actores que sólo al ver su cara llenan la pantalla porque son únicos e intransferibles. A veces tienen el riesgo de ser excesivos y provocar el recelo de mucha gente pero son ellos. Eso le pasa a alguien como Macarena Gómez. Una película con ella sabe que va a tener un toque especial y diferente.

Gómez es única ya en su cara. Esa mirada mapache acompañada con esa físico de extrema delgadez la hace propicia de una belleza extraña. A eso la acompaña una forma de hablar tremendamente singular, con ese maravilloso y peculiar acento andaluz, que no afecta a su dicción. Con esos datos, Macarena puede eclipsar a cualquier compañero con el que comparta escena. O puede acabar con la paciencia del espectador. Cuestión de gustos pero Macarena Gómez siempre juega en el filo. Y domina como nadie las claves de la comedia. O mejor dicho, de su comedia. Ella es tan, tan personal que crea una película para ella misma. Sólo había que verla en Sexy Killer. No le importó cargarse en sus espaldas todo un protagonista para lograr que pensáramos que esa película no podría existir si no la protagonizara ella. Todo un show de Macarena Gómez. Y si la cuestión es comerse a sus compañeros de reparto no hay problema. Ahí tenemos El calentito o la serie La que se avecina, que deja claro que cuando ella está en el plano los ojos del espectador van hacía esa mirada tan singular.

El cine español tiene en Macarena Gómez a alguien singular y especial. No sólo para la comedia. Gómez tiene un buen potencial dramático si ella (y los creadores que le den papeles) saben encauzar bien su carrera. Sin perder su “toque extraterrestre” pero sin acabar siendo una parodia de si misma. A las personas especiales y con algo diferente al resto hay que saber cuidarlas. El cine lo tiene en Macarena Gómez. Una joya extraña que no es de este mundo.

Joyas a reivindicar: I'm not there. Bob Dylan, dividido y humillado

2009-07-28T18:49:00.001+02:00

Hace tiempo me encontré con un hecho sorprendente y que se repite cada cierta frecuencia. Se estrenaba en España la comedia Adivina quién protagonizada por los cómicos norteamericano Bernie Mac (recientemente fallecido) y Ashton Kutcher. El día del estreno fui a ver la cartelera fui a ver el periódico y me di cuenta que la peliculita de marras estaba prácticamente en multitud de salas de la ciudad. Es más la película tenia un numero de copias en España absolutamente increíble (por su elevada cantidad). Es resumen, una película que no había destacado por tener unas grandes criticas en su país, con un humor muy localista (estadounidense), una estrella sólo conocida en el país norteamericano (Bernie Mac), otro conocido por ser el esposo de una estrella de capa caida como Demi Moore (Ashton Kutcher)...algo que no debería ser muy atrayente para el público europeo no sólo se estrenaba en España sino que arrasaba en número de copias. Incomprensible. Y en el otro extremo tenemos I’m not there (titulo cogido de una preciosa y desconocida canción de Bob Dylan). Este film “sólo” tiene nombres como Bob Dylan, Todd Haynes, Cate Blanchett o Heath Ledger. ¿Su estreno en España? Nunca ha sucedido.

Viendo I’m not there podemos ver las claves de porqué el film ha sufrido una vergonzosa incomprensión. Acercarse a la figura del elemento de cultura popular vivo más importante de una manera común y lineal parece harto complicado. Dylan es demasiado grande para hacerlo de esa manera. Martín Scorsese lo hizo a través de declaraciones e imágenes en su indispensable No direction home y, según dicen las buenas y malas lenguas, acabo hasta las narices del lenguaje cifrado y el hermetismo que ejerció Dylan en el documental. El universo dylaniano es tan inmenso que hacer una típica biopic podía ser un error inmenso.

Por suerte tras la cámara había un genio como Todd Haynes que ya había demostrado en la inmensa Velvet Goldmine que poco creadores saben acercarse al mundo de la música como él. I’m not there se acerca a Dylan sin hablar de Dylan. Nos acerca a Woody Guthrie, Arthur Rimbaud, a ese Jude Quinn que “traiciona” a su público para hacer crecer su música hasta limites insospechados cargando con un tremendo peso (la famosa “electrificación”) ... Dylan está ahí sin aparecer. Él no está allí pero sí su esencia. Con el poderío visual de Haynes estamos ante un poema repleto de metáforas de quién fue Dylan y, especialmente, que quiso decir con su música. Un hombre extraño que supo reinventarse y cambiar su carrera (cosa que pocos saben hacer) para adquirir nuevas formas de hacer magia. I’m not there habla de sus contradicciones, odios, raíces e ideas. Es Bob Dylan sin serlo. Sin estar allí, en la película, el alma de de Dylan está en cada fotograma. Por eso quizá no se haya estrenado. No es una película sobre un mito sino sobre su alma. Y eso es demasiado complicado de digerir para algunos.

PD. I’m not there tiene una de las mejores bandas sonoras (de varios autores, no de compositor al uso) que yo haya oído jamás. Las canciones de Dylan pasadas por el talento de Cat Power, Tom Verlaine, Sonic Youth ... Por eso motivo también os enlazo al programa que realizó Fernando Miró en QPH? sobre I’m not there, en particular, y Bob Dylan, en general. En este espacio se pueden escuchar algunas canciones de la banda sonora. Una gozada. Podéis escucharlo pinchando aquí

El día que nos quisimos un poco más

2009-07-25T20:29:00.002+02:00

Hace diez años no dijimos: "nosotros podemos hacerlo". Lo hicimos. Y todo cambió para siempre.

Series de cine: American Dad!. Cuando Seth MacFarlane dio en el clavo

2009-07-24T13:38:00.001+02:00

La mayoría de gente que me rodea es fan de Padre de familia, yo, en cambio, no sé como tomarmé la serie de Seth McFarlane. Admiro su contundencia, algunos de sus personajes (Brian y Stewie son grandes) y la brillantez de algunos de sus gags. Pero, en mi humilde opinión, a veces peca de caer en el chiste fácil y adolece de cierta originalidad. En resumen, me parece una serie de momentos que se puede disfrutar más viéndola a ratos que un capitulo entero. Por eso me sorprendió lo genial y redonda que me parece la serie post-Padre de familia de MacFarlane, American Dad! .

Quizá debería estudiar mi bipolaridad ya que American Dad! tiene muchas similitudes con Padre de familia. Núcleo familiar, humor políticamente incorrecto, cierto parecido en el trazo de personajes....pero si se rasca podemos ver que American Dad! mejora en mucho el trabajo anterior. Es como si MacFarlane hubiera encontrado el punto ideal puliendo errores anteriores. El primer punto a favor es que American Dad busca un argumento y le da importancia a que la historia tenga una coherencia. Es verdad que son dibujos para adultos y que el surrealismo y lo absurdo son protagonistas, pero eso no quiere decir que los guiones no intenten contar algo (cosa que a veces parecía en Padre de familia). American Dad! rezuma mala leche y ataques directos pero también inteligencia y buen gusto.

Que la trama gire en torno a la familia de un agente de la CIA (Stan Smith, ultrapatriota y, por supuesto, idiota) permite a MacFarlane elaborar un efectivo y divertido mensaje sobre Estados Unidos. Para reírse de su país pero también de la visión que tienen los norteamericanos en el mundo y la que el mundo tiene de ellos. American Dad! sabe como reírse de todos trabajándose cada chiste y cada gag (algunos realmente geniales). Esa mirada critica y exagerada le da a la serie un salto de calidad sabiendo esquivar cierto humor facilón en el que podía caer, a veces, Padre de familia. American Dad! es Padre de familia pero también es Los Simpson, Futuruma, South Park.. Sabe beber de todos (incluido él mismo) para lograr un producto más pulido y perfeccionista. MacFarlane ha encontrado su cima con American Dad, una manera de seguir siendo brutal y directo con inteligencia. Que Estados Unidos bendiga American Dad!.

Finales de cine: La Cosa. No hay enemigo, no hay esperanza

2009-07-20T11:43:00.001+02:00

John Carpenter es uno de los grandes de la historia del cine reciente. Precisamente no por ser (afortunadamente) un esteta, ni querer mostrar al mundo un virtuosismo especial. Carpenter es grande por ser un director contundente y directo, que sabe como ir a las raíces del miedo sin efectismos baratos. Es por eso que se puede ver mil veces La Cosa y seguir maravillando, o mejor dicho horrorizándonos, con la pesadilla que viven estos científicos.

Es esta una película con un monstruo al que no se le ve y eso contribuye a que la sensación de horror y desesperanza esté en el aire continuamente en la (quizá) obra cumbre carpenteriana. Pocas películas transmiten tanta asfixia como La Cosa. Y no sólo durante el film sino horas después de haber acabado la historia la misma sensación de ahogo y vacío nos continua martilleando la cabeza. Carpenter consigue eso con un final completamente demoledor. Y lo es demoledor, como el cine de Carpenter no necesita piruetas ni fuegos artificiales, para mostrarnos que aunque al final se mate al malo eso no significa que “haya un final feliz”.

La ecuación que ha vendido el cine (hollywodiense principalmente) es que al final de la película el bueno mata al malo y todos felices y contentos se van a comer perdices. Carpenter juega con ese axioma de una forma absolutamente perversa. El malo, el monstruo muere o desaparece aunque tampoco lo tenemos muy claro. Los héroes consiguen acabar con él (¿seguro?) pero no hay felicidad. Acabaran muriendo congelados con una muerte lenta y dolorosa, por supuesto esto nos lo imaginaremos porque ya sabemos que da más miedo si creemos que una cosa va a pasar que si vemos que pasa. Es una película con monstruo que muere al final. Pero ni vemos su muerte ni los heroes salvan sus vidas. Además, ¿quién dice que ninguno de los dos protagonistas está infectado?. Perverso.

Esa imagen de Kurt Russell y Keith David bebiendo y pasándose una botella en medio de la fría Antártida esperando la muerte debería quedarnos para siempre en nuestras cabezas. Aunque los malos puedan morir a los héroes les puede esperar un final mucho peor. Un final que se creará en nuestras mentes.

Publicaciones de cine: Cinemedi. Festivales de cine de la Comunidad Valenciana y algo más

2009-07-16T13:01:00.000+02:00

Si la última palabra que decía Charles Foster Kane en Ciudadano Kane era Rosebud, la mía seguramente sea Cinemedi. Este es el nombre de un proyecto con en el que trabajé, junto con María Moltó, Claudia Seva y Montxo V. Sempere, durante estos últimos ocho meses. Cinemedi no es una agenda sobre festivales de cine de la Comunidad Valenciana, ni una guía de ocio, ni una revista de cine al uso..Es todo eso y algo más.

La Comunidad Valenciana tiene una ingente vida de festivales de cine. El objetivo de la revista Cinemedi es, con una espíritu dinámico y moderno, juntarlos todos para hablar sobre ellos en la publicación. Su historia, la edición de ese año, entrevistas con los organizadores, los premiados... Pero Cinemedi quería alejarse de ser una simple guía. Las personas que acuden a los festivales son gente que quieres algo más que ver una simple proyección de películas. Buscan sitios interesantes en las ciudades donde se realizan los certámenes para disfrutar del sitio más allá de secciones oficiales o ceremonias de entrega de premios. Por eso de cada lugar con festival hablaremos de sitios interesantes donde poder comer, tomar una copa o visitar. Pero Cinemedi no quiere perder su espíritu. Sigue siendo una revista de cine, por ello se pueden leer entrevistas o reportajes de interés sobre el mundo del cine en general.

En este número cero y (que podéis leer pinchando en el enlace que tenéis abajo) Cinemedi viajará a festivales como el Festival Internacional de Cine de Sax, Festival de Cine de Alicante, Mostra de Valencia, Cinestrat, Festival Internacional de Cine Independiente de Elche, Mostra de Cinema Jove d’Elx... Conoceremos a fondo mediante entrevistas a personajes tan interesantes como Miguel Herrero, Tirso Calero, Antonio Sempere, Vicente Seva... Y además podremos viajar a lugares de cine como París y Edimburgo (sí, tuvimos enviados especiales en el extranjero) o descubrir apasionados del mundo del cortometraje como la asociación ilicitana Malabarraca. Si queréis probar un proyecto que intenta ir más allá y ser novedoso y diferente (ya desde su moderno diseño creado por Montxo V. Sempere) pinchad en el enlace de abajo y leed el número cero de Cinemedi.

Para leer el número cero de Cinemedi pinchad en:

. Cinemedi (Número Cero)

Interpretaciones de cine: Louis Garrel, Eva Green y Michael Pitt (Soñadores). Mayo del 69

2009-07-12T23:28:00.000+02:00

En ciertas ocasiones he comprobado que gente de cierta edad soltaba pestes de lo que fue el famoso Mayo del 68 francés. Tras observar detenidamente los comentarios y la forma de hablar sobre la famosa revuelta, comprendía que era gente que había creído (o incluso había estado allí) en esos valores que se propugnaban y que habían acabado desencantados de lo ocurrido. Y a veces es complicado encontrar en el cine una historia que te explique las razones de lo ocurrido en París en 1968. Y sin duda una de las mejores es una película que habla de Mayo del 68 sin hablar (mucho) de los hechos que la ocasionaron sino de las personas que estaban en ese momento. De jóvenes inquietos, insatisfechos y especiales como los que protagonizan Soñadores y que sólo podían interpretar unos actores como Louis Garrel, Eva Green y Michael Pitt.

Cuando se habla de Soñadores siempre hay que hablar del erotismo, de los juegos entre los tres protagonistas tan jóvenes y guapos, de Eva Green como una Venus de Milo perfecta , de la imagen de ellos durmiendo desnudos en una tienda de campaña improvisada... es obvio que parte del éxito de Soñadores vino en jugar con el morbo de verlos a ellos. Pero sería un error caer en pensar en que eran unos trozos de carne sin más porque tanto Garrel, Green y Pitt aportan más cosas a la película. Sus personajes son rebeldes, cinéfilos, inconformistas, curiosos...pero también poseen una tristeza incomparable. Unos jóvenes que luchan por buscar algo sin saber muy bien el qué es. Jugando, más o menos en serio, a imitar películas clásicas o a pasatiempos eróticos, nuestros jóvenes héroes buscan un sentido a lo que hacen y al mundo en qué están. Como la gente de Mayo del 68.

No era difícil ver, por la especial interpretación de ellos tres, que el esirituo del 68 les iba a calar hondo. Sólo hay que ver sus insobornables y ejemplares carreras que ya les gustaría tener a muchas “supuestas estrellas” de mayor edad. Ya sea Eva Green haciendo un Bond (Casino Royale), Pitt surcando los límites de la locura con Van Sant o Haneke (Last Days, Funny Games) o Garrel convirtiéndose en símbolo del cine francés de qualité (Les amants reguliers, La belle personne) siguen siendo los chicos extraños y fascinantes de Soñadores. La película que no

Reivindicación del perdedor

2009-07-10T00:21:00.001+02:00

- Pagafantas - (Borja Cobeaga, 2009)

Pau Gasol, Rafael Nadal, Fernando Alonso, Pedro Almodóvar, Javier Bardem y otros han logrado alejar esa sensación de victimismo que siempre han tenido los españoles. Ya no somos Alfredo Landa o José Luis López Vazquez persiguiendo a las suecas en Benidorm. Los españoles no sólo podemos ganar sino que lo hacemos. Y eso, en principio, es una buena noticia. El problema es que caigamos en la chulería o prepotencia de nuestros vecinos franceses o italianos y olvidemos “nuestras raíces”. Porque no hay nada malo en decir que dentro del español hay un pequeño perdedor que con humildad intenta sobrevivir en un mundo cruel. Borja Cobeaga homenajea en Pagafantas a este perdedor.

Con su Pagafantas, Borja Cobeaga ha demostrado que en esa cabeza brillante y ocurrente (recomendación: acudir a cualquier rueda de prensa suya, todo un showman) hay todo un director de cine. Rueda una comedia divertida, breve y con ritmo sin caer en ningún momento el chiste fácil ni en la realización burda y torpe. Es más, Pagafantas es una película excelentemente dirigida. Pero aparte hace una película con miga porque reivindica al perdedor de toda la vida. A la persona que aún siendo un pagafantas toda la vida sigue luchando y cometiendo los mismos errores una y otra vez. Cobeaga no ha querido hacer El apartamento (afortunadamente) pero si que la dimensión trágica de Chema llega a la del C.C. Baxter de la película de Wilder.

Y en este tipo de películas no puede surtir la magia si los actores no están donde tienen que estar. Y lo están. Gorka Otxoa es el perfecto pagafantas justificadamente enamorado de una adorable y caótica, Sabrina Garciarena. Como son perfectas las aportaciones de Oscar Ladoire (¿nominación al Goya al actor de reparto?), Kity Manver o Maria Asquerino (a la que no le hace falta hablar para estar genial). Cobeaga logra divertirnos buscando en el fondo de nosotros mismos y enseñarnos que, aunque es trágico, ser un perdedor es algo muy nuestro de lo cual, no siempre, podemos huir.

. No odies al héroe (Rafa Martín, Las horas perdidas)

.¡Este Viernes, Pagafantas! (Nacho Vigalondo, Diario Cinematográfico)

.Un gran debut, una comedia imprescindible (Desirée de Fez, Cine 365)

Ten un poquito de fe en mí

2009-07-07T13:21:00.000+02:00

Ya lo dice Dawn Landes. Hay que tener fe, no ya en uno mismo, sino en los demás. Tenla...aunque sea un poquito.